Famosi dipinti russi e i loro autori. Quali principali generi di pittura conosci? "Madonna Sistina", Raffaello Santi

Il 3 dicembre 1961 ebbe luogo un evento significativo al Museum of Modern Art di New York: il dipinto di Matisse "La Barca", rimasto appeso a testa in giù per 46 giorni, fu riaperto correttamente. Vale la pena dire che questo non è un episodio divertente isolato associato ai dipinti di grandi artisti.

Pablo Picasso ha dipinto uno dei suoi famosi ritratti in meno di 5 minuti

Ehrenburg espresse sorpresa per la velocità di esecuzione dell'opera, perché non erano trascorsi nemmeno 5 minuti, al che Picasso rispose: “Ti conosco da 40 anni. E in tutti questi 40 anni ho imparato a dipingere ritratti in 5 minuti..

Ilya Repin ha aiutato a vendere un dipinto che non ha dipinto

Gli orsi nel famoso dipinto di Shishkin sono stati dipinti da un altro artista

Un pezzo di fibra di legno, su cui veniva semplicemente versata la vernice, divenne uno dei dipinti più costosi

Rubens ha crittografato la data di creazione del suo dipinto utilizzando le stelle.

Il logo Chupa Chups è stato disegnato dal surrealista di fama mondiale

Da notare che nel 1967 in Italia, con la benedizione del Papa, uscì con le illustrazioni di Salvador Dalì.

Il dipinto più costoso La farina porta sfortuna

Uno dei dipendenti del Museo Munch una volta lasciò cadere accidentalmente un dipinto, dopo di che iniziò a soffrire di terribili mal di testa, che portarono quest'uomo al suicidio. Un altro impiegato del museo, che non riusciva a trattenere il dipinto, pochi minuti dopo rimase coinvolto in un terribile incidente stradale. E un visitatore del museo che si permise di toccare il dipinto, dopo qualche tempo, bruciò vivo in un incendio. Tuttavia, è possibile che si tratti solo di coincidenze.

Il "Quadrato Nero" di Malevich ha un "fratello maggiore"

Cristo e Giuda nel dipinto di Da Vinci hanno lo stesso volto

Una volta per strada l'artista ha visto un ubriaco che cercava senza successo di uscire da un pozzo nero. Da Vinci lo portò in uno dei locali per bere, lo fece sedere e cominciò a disegnare. Immaginate la sorpresa dell'artista quando, dopo essersi aperto, l'ubriacone ha ammesso di aver già posato per lui diversi anni fa. Si è scoperto che questo era lo stesso cantante.

Geni, innovatori, attaccabrighe, pionieri che hanno avuto un impatto incredibile sulla cultura mondiale. I più grandi artisti russi: chi sono?

I 7 migliori artisti russi

Tra gli artisti russi più eccezionali e influenti:

1. Kazimir Malevich(1879-1935) – autore dell’opera più controversa dell’intera storia della pittura mondiale, “Quadrato nero”. Tuttavia, l’eredità di Malevich è grande e comprende, in particolare, non solo i quadrati “Nero”, ma anche i quadrati “Rosso” e “Bianco”. Il più scandaloso e costoso degli artisti russi. Il suo capolavoro “Composizione suprematista” è stato venduto da Sotheby’s per 60 milioni di dollari.

2. Ivan Aivazovsky(1817-1900) – il più grande pittore marino russo, autore dell’immortale “La nona onda”. L'artista più prolifico: ha dipinto più di 6mila dipinti. Grazie al suo enorme patrimonio, è anche uno degli artisti più contraffatti al mondo. Ampiamente conosciute in Occidente, le sue opere vengono regolarmente vendute alle aste, inclusa quella di Sotheby's.

3. Viktor Vasnetsov(1848-1936) - forse il più russo di tutti gli artisti russi. Conosciuto per le sue opere che glorificano il folklore, le fiabe e i poemi epici. Non solo l'autore di "Tre eroi", ma anche uno degli sviluppatori della budenovka sovietica.

4. Kuzma Petrov-Vodkin(1878-1939) - l'artista più rivoluzionario. Il dipinto “Il bagno del cavallo rosso” predisse profeticamente terribili sconvolgimenti in Russia. Sebbene sia stato spesso criticato per il suo erotismo (raffigurava con coraggio non solo donne nude, ma anche uomini), in generale può essere considerato il precursore del realismo socialista. Nelle aste straniere enorme successo Non sono tanto le sue opere rivoluzionarie ad essere utilizzate quanto le sue nature morte.

5. Vasily Vereshchagin(1842–1904) – pittore di battaglie, famoso per le sue rappresentazioni documentarie degli orrori della guerra. L'opera più famosa è “L'Apoteosi della Guerra”, raffigurante un mucchio di teschi sbiancati dal sole cocente. Fu perseguitato per decenni dal governo zarista per la sua posizione pacifista. Allo stesso tempo, godette di un'incredibile popolarità sia in Russia che in Occidente. La sua mostra a San Pietroburgo nel 1880 fu visitata da 240mila persone (in 40 giorni), a Berlino - 140mila persone (in 65 giorni), a Vienna - 110mila (in 28 giorni). Molte pop star moderne non hanno mai sognato una tale fama.

6. Vladimir Tatlin(1885–1953) – fondatore del costruttivismo, artista, architetto, grafico. La sua opera artistica, simile nello stile alle prime creazioni di Picasso, è esposta al Museo Pompidou di Parigi e alla Biblioteca di Oxford. Il suo capolavoro “La Torre di Tatlin” è uno dei simboli dell'avanguardia più riconoscibili e replicati nel mondo. Ebbe un enorme successo in Occidente (“l’arte della macchina di Tatlin”) e ispirò un’intera generazione di artisti dada, tra cui il maestro del surrealismo, il francese Marcel Duchamp.

7. Ilya Glazunov(nato nel 1930) è l'artista russo più monumentale. La più famosa è la sua tela “Russia Eterna” (dimensioni - 3x6 m) - una pittoresca cronaca della storia russa degli anni 988-1988, dedicata al 1000° anniversario del battesimo della Rus'. In totale, ha creato più di 3mila opere (ritratti, paesaggi, dipinti storici e politici). La reputazione di Glazunov è indiscutibile: alcuni lo considerano un genio, altri un opportunista. Una cosa è chiara: questa è una figura di scala titanica, come le sue tele.

Mi piacerebbe credere che in futuro appariranno anche in Russia artisti capaci di cambiare l’idea dell’umanità sulla bellezza.

Queste immagini sono impresse nella coscienza di ogni persona russa. Sono noti a ciascuno di noi fin dall'infanzia. Sono parte integrante della cultura russa. E almeno per questo meritano che ne sappiamo qualcosa in più.

Esaminiamo l'elenco dei dipinti più eccezionali di artisti russi. E, soprattutto, scopriamo perché sono così ammirati.

E per non annoiarci, diluiremo conoscenze importanti fatti interessanti. Scopriamo come Alexander Ivanov voleva superare Karl Bryullov. E Ilya Repin ha distrutto i suoi "Barge Haulers" a causa delle critiche di Ivan Shishkin.

1. “L'ultimo giorno di Pompei” di Bryullov (1833)

Senza esagerare, conosciamo la tragedia di Pompei principalmente grazie a Karl Bryullov (1799-1852). Un tempo fece scalpore sia in Italia che in Russia con il suo capolavoro. E tutto perché ha trovato uno straordinario equilibrio tra verità e finzione.

Bryullov ha raffigurato una vera strada. E anche alcuni degli eroi sono persone reali. Bryullov ha visto i loro resti durante gli scavi.

Ma l'artista ha mostrato questo disastro come incredibilmente... bello. Cosa che, ovviamente, non era nella realtà.

Si scopre che lo spettatore simpatizza con queste persone. Ma non è inorridito dai terribili dettagli. Gli sfortunati di Bryullov sono divinamente belli anche un momento prima della morte.

Nessuno potrebbe superare “L’ultimo giorno di Pompei” in popolarità tra i suoi contemporanei. L'artista è stato portato tra le sue braccia: dopotutto, ha diviso la storia della pittura russa in “prima e dopo”. Da allora, dal 1833, il mondo intero parla dell'arte russa.

2. “La nona onda” di Aivazovsky (1850)

Karl Bryullov ha detto di aver sentito il sale sulle labbra quando ha guardato “La nona onda” di Ivan Aivazovsky (1817-1900). Realistico non è la parola giusta. Ma non è così semplice.

I grembiuli da onda NON si trovano in mare aperto. Le curve delle onde si formano solo vicino alla riva. Pertanto, i surfisti non hanno nulla da fare in mare aperto.

Ivan Aivazovsky ha usato questo trucco per rendere il tripudio della natura... più spettacolare. Dopotutto, come Bryullov, era un romantico e cantava la grandezza degli elementi.

La Nona Onda aveva tutte le possibilità di diventare un capolavoro. Aivazovsky era l'unico pittore marino russo a quel tempo. Allo stesso tempo, ha lavorato in modo incredibilmente abile. Inoltre, ha mostrato la straziante tragedia dei marinai.

3. “L'apparizione di Cristo al popolo” di Ivanov (1857)

Alexander Ivanov (1806-1858) voleva davvero eclissare Bryullov con la sua Pompei. Ho preso una tela 2 volte più grande. E ha lavorato 4 volte di più (20 anni contro i cinque di Bryullov).

Ma qualcosa è andato storto. Nessuno portava Ivanov tra le braccia (anche se lo sperava). Il trionfo non ha avuto luogo.

Il pubblico non ha apprezzato la fila di 35 personaggi in tuniche multicolori. Inoltre, l'immagine è difficile da “leggere”: dopo tutto, ognuno di questi personaggi ha la propria reazione alla prima apparizione di Cristo! Qualcuno è felice. Alcuni dubitano che questo sia l’“Agnello di Dio”. E qualcuno è arrabbiato perché è emerso un nuovo concorrente.

Sì, nel film non c'è una spettacolare rivolta degli elementi, come Bryullov e Aivazovsky. E non c'è motivo di simpatizzare con il tragico destino dei personaggi principali.

Ma il pubblico era abituato agli effetti speciali: quindi non ne rimase colpito. Ebbene, oggigiorno i blockbuster hollywoodiani sono anche più popolari dei film d'autore.

Ma in realtà, Ivanov ha realizzato da solo una rivoluzione nella pittura russa. Il passaggio dalle storie teatrali e pompose alle esperienze persone normali.

E i realisti russi (Repin, Kramskoy, Savrasov e altri) sono diventati ciò che li conosciamo solo grazie alle imprese pittoriche di Ivanov.

4. “I corvi sono arrivati” di Savrasov (1871)

Alexey Savrasov (1830-1897), come Alexander Ivanov, fece una rivoluzione. Ma più altamente specializzato. Nel campo del paesaggio.

Fu con l'opera “The Rooks Have Arrived” che iniziò l'era del paesaggio atmosferico.

L'immagine ha un paradosso.

Da un lato il paesaggio... è noioso e monocromatico. Cos’altro puoi aspettarti dalla fine di marzo, soprattutto nell’entroterra russo mal mantenuto? Qui fango, colore grigio e degrado sono garantiti.

Ma in qualche modo magicamente ci sembra tutto dolce e sincero. Il segreto sta nella direzione sottile dello spettatore verso emozioni piacevoli.

Dopotutto, l’artista ha scelto un momento molto interessante: fa ancora freddo, ma sta per arrivare il caldo. Ci piace questa sensazione di cambiamento imminente in meglio.

Da qui le sensazioni piacevoli, apparentemente senza motivo. È appena percettibile.

Da quando Savrasov creò le sue “Torri” nel 1871, quasi tutti i paesaggi russi sono stati proprio così: poetici e lunatici.

5. “I trasportatori di chiatte sul Volga” di Repin (1870-1873)

"Barge Haulers on the Volga" è il capolavoro principale di Ilya Repin (1844-1930). Anche se l'artista l'ha creato quando non aveva nemmeno 30 anni.

L'immagine è diventata particolarmente popolare in Tempo sovietico. Un complotto del genere si adattava molto all’ideologia degli oppressi. Quindi l'abbiamo visto nei libri di testo e sulle scatole di fiammiferi.

Ricordi cosa ti ho detto sopra sulla rivoluzione di Alexander Ivanov? È stato il primo nella pittura russa a mettere in fila le persone comuni e a dotarle di emozioni diverse.

Quindi Repin ha imparato tutte le lezioni di Ivanov. Ma ha portato il realismo all'assoluto.

Veri trasportatori di chiatte hanno posato per l'artista. Conosciamo i loro nomi e il loro destino (cioè queste persone sono state fortunate: sono passate alla storia).

Loro aspetto incredibilmente credibile. Questo è esattamente ciò che diventano i vestiti indossando e camminando per molti anni attraverso la manna costiera.

A questo proposito, Ivanov era ancora un classicista: i chitoni dei suoi eroi sono troppo puliti, come nella vetrina di un negozio.

Ma non è solo l’aspetto cencioso dei poveri che ci fa simpatizzare con loro.

L'artista dipinse anche un battello a vapore in lontananza. Dicono che i motori siano già stati inventati e tutti si prendono gioco delle persone. Sì, gli artisti russi adoravano aggiungere questo “Oh, che brutto”.

6. “La ragazza con le pesche” di Serov (1887)

Valentin Serov (1865-1911) era ancora più giovane di Repin quando creò La ragazza con le pesche, il suo capolavoro principale. Aveva 22 anni!

Apparentemente questa è una particolarità degli artisti russi: presentano le loro creazioni principali in base alla loro giovinezza: Bryullov, Repin. E anche Serov ci va.

Ma, sul serio, ciò che colpisce in quest’opera è qualcosa di completamente diverso. È scritto nello stile di . Ed era allora che in Russia non sapevano quasi nulla di questa direzione della pittura!

Ma Serov ha dipinto intuitivamente un'immagine con ombre colorate, riflessi multicolori (riflessi di macchie colorate di alcuni oggetti su altri), tratti visibili.

7. “Mattina in una foresta di pini” di Shishkin (1889)

Ivan Shishkin (1832-1898) poteva permettersi di criticare altri artisti. Quindi Ilya Repin l'ha preso da lui. Ha maledetto gli alberi disegnati in modo errato nel dipinto “Barge Haulers on the Volga”.

Quasi ogni opera d'arte significativa contiene un mistero, un “doppio fondo” o storia segreta, che voglio rivelare.

Musica sui glutei

Hieronymus Bosch, "Il giardino delle delizie", 1500-1510.

Frammento di parte di un trittico

Le controversie sui significati e sui significati nascosti dell'opera più famosa dell'artista olandese non si sono placate sin dalla sua apparizione. L'ala destra del trittico intitolato “Inferno musicale” raffigura peccatori che vengono torturati negli inferi con l'aiuto di strumenti musicali. Uno di loro ha delle note musicali impresse sulle natiche. Amelia Hamrick, studentessa dell'Oklahoma Christian University, che ha studiato il dipinto, ha tradotto la notazione del XVI secolo in un tocco moderno e ha registrato "una canzone infernale di 500 anni fa".

Monna Lisa nuda

La famosa "La Gioconda" esiste in due versioni: la versione nuda si chiama "Monna Vanna", fu dipinta dal poco conosciuto artista Salai, che fu allievo e modello del grande Leonardo da Vinci. Molti storici dell’arte sono sicuri che sia stato lui il modello per i dipinti di Leonardo “Giovanni Battista” e “Bacco”. Ci sono anche versioni in cui Salai, vestito con un abito da donna, fungeva da immagine della stessa Monna Lisa.

Vecchio Pescatore

Nel 1902 l’artista ungherese Tivadar Kostka Csontvary dipinse il dipinto “Il vecchio pescatore”. Sembrerebbe che non ci sia nulla di insolito nell’immagine, ma Tivadar vi ha inserito un sottotesto che non è mai stato rivelato durante la vita dell’artista.

Poche persone hanno pensato di posizionare uno specchio al centro dell'immagine. In ogni persona può esserci sia Dio (duplicato la spalla destra del Vecchio) sia il Diavolo (duplicato spalla sinistra vecchio uomo).

C'era una balena?

Hendrik van Antonissen, Scena costiera.

Sembrerebbe un paesaggio ordinario. Barche, gente sulla riva e un mare deserto. E solo uno studio a raggi X ha mostrato che le persone si radunavano sulla riva per un motivo: nell'originale stavano guardando la carcassa di una balena portata a riva.

Tuttavia, l'artista ha deciso che nessuno avrebbe voluto guardare una balena morta e ha riscritto il dipinto.

Due “Colazioni sull’erba”

Edouard Manet, “Colazione sull'erba”, 1863.

Claude Monet, “Colazione sull’erba”, 1865.

Gli artisti Edouard Manet e Claude Monet a volte vengono confusi: dopotutto erano entrambi francesi, vivevano contemporaneamente e lavoravano nello stile dell'impressionismo. Monet prese persino in prestito il titolo di uno dei dipinti più famosi di Manet, “Colazione sull’erba”, e scrisse il suo “Colazione sull’erba”.

Raddoppia nell'Ultima Cena

Leonardo da Vinci, "L'Ultima Cena", 1495-1498.

Quando Leonardo da Vinci scrisse " ultima cena", ha allegato significato speciale due figure: Cristo e Giuda. Ha trascorso molto tempo alla ricerca di modelli per loro. Alla fine riuscì a trovare un modello per l'immagine di Cristo tra i giovani cantanti. Per tre anni Leonardo non riuscì a trovare un modello per Giuda. Ma un giorno incontrò per strada un ubriaco che giaceva in un canale di scolo. Era un giovane invecchiato a causa del bere eccessivo. Leonardo lo invitò in un'osteria, dove iniziò subito a dipingere Giuda da lui. Quando l'ubriacone tornò in sé, disse all'artista che aveva già posato per lui una volta. Diversi anni fa, quando cantava nel coro della chiesa, Leonardo dipinse Cristo da lui.

"Ronda di notte" o "Ronda di giorno"?

Rembrandt, "La ronda di notte", 1642.

Uno dei dipinti più famosi di Rembrandt, "L'esibizione della compagnia di fucilieri del capitano Frans Banning Cock e del tenente Willem van Ruytenburg", è rimasto appeso in stanze diverse per circa duecento anni ed è stato scoperto dagli storici dell'arte solo nel XIX secolo. Poiché le figure sembravano apparire su uno sfondo scuro, fu chiamata "Ronda di notte" e con questo nome entrò nel tesoro dell'arte mondiale.

E solo durante il restauro effettuato nel 1947, si scoprì che nell'atrio il dipinto era riuscito a ricoprirsi di uno strato di fuliggine, che ne falsava il colore. Dopo aver ripulito il dipinto originale, è stato finalmente rivelato che la scena rappresentata da Rembrandt si svolge effettivamente durante il giorno. La posizione dell'ombra della mano sinistra del Capitano Kok mostra che la durata dell'azione non supera le 14 ore.

Barca ribaltata

Henri Matisse, "La barca", 1937.

Il dipinto di Henri Matisse "La Barca" fu esposto al Museum of Modern Art di New York nel 1961. Solo dopo 47 giorni qualcuno si accorse che il dipinto era appeso a testa in giù. La tela raffigura 10 linee viola e due vele blu su sfondo bianco. L'artista ha dipinto due vele per un motivo; la seconda vela è un riflesso della prima sulla superficie dell'acqua.
Per non commettere errori su come dovrebbe essere appesa l'immagine, è necessario prestare attenzione ai dettagli. La vela più grande dovrebbe essere la parte superiore del dipinto e la punta della vela dovrebbe essere verso l'angolo in alto a destra.

L'inganno nell'autoritratto

Vincent van Gogh, "Autoritratto con la pipa", 1889.

Ci sono leggende secondo cui Van Gogh si sarebbe tagliato l'orecchio. Ora la versione più attendibile è che Van Gogh si sia danneggiato un orecchio in una piccola rissa che ha coinvolto un altro artista, Paul Gauguin.

L'autoritratto è interessante perché riflette la realtà in forma distorta: l'artista è raffigurato con l'orecchio destro bendato perché utilizzava uno specchio mentre lavorava. In effetti, è stato l'orecchio sinistro ad essere colpito.

Orsi alieni

Ivan Shishkin, "Mattina nella pineta", 1889.

Il famoso dipinto non appartiene solo a Shishkin. Molti artisti che erano amici tra loro spesso ricorrevano "all'aiuto di un amico" e Ivan Ivanovich, che dipinse paesaggi per tutta la vita, aveva paura che i suoi toccanti orsi non sarebbero andati come voleva. Pertanto, Shishkin si è rivolto al suo amico, l'artista degli animali Konstantin Savitsky.

Savitsky dipinse forse i migliori orsi nella storia della pittura russa, e Tretyakov ordinò che il suo nome fosse cancellato dalla tela, poiché tutto nel dipinto “dal concetto all'esecuzione, tutto parla del modo di dipingere, del metodo creativo peculiare di Shishkin.

La storia innocente di "Gothic"

Grant Wood, Gotico americano, 1930.

L'opera di Grant Wood è considerata una delle più strane e deprimenti della storia della pittura americana. L’immagine con il cupo padre e la figlia è piena di dettagli che indicano la severità, il puritanesimo e la natura retrograda delle persone raffigurate.
L'artista, infatti, non intendeva raffigurare alcun orrore: durante un viaggio in Iowa, notò una casetta in stile gotico e decise di raffigurare quelle persone che, a suo avviso, sarebbero ideali come abitanti. La sorella di Grant e il suo dentista vengono immortalati come i personaggi da cui gli Iowan erano così offesi.

La vendetta di Salvador Dalì

Il dipinto "Figura alla finestra" fu dipinto nel 1925, quando Dalì aveva 21 anni. A quel tempo, Gala non era ancora entrato nella vita dell'artista e la sua musa ispiratrice era sua sorella Ana Maria. Il rapporto tra fratello e sorella si deteriorò quando in uno dei dipinti scrisse "a volte sputo sul ritratto di mia madre, e questo mi fa piacere". Ana Maria non poteva perdonare un comportamento così scioccante.

Nel suo libro del 1949, Salvador Dalì attraverso gli occhi di una sorella, scrive di suo fratello senza alcuna lode. Il libro fece infuriare Salvador. Per altri dieci anni, la ricordò con rabbia in ogni occasione. E così, nel 1954, apparve il dipinto “Una giovane vergine che si abbandona al peccato di sodomia con l'aiuto delle corna della propria castità”. La posa della donna, i suoi riccioli, il paesaggio fuori dalla finestra e la combinazione di colori del dipinto riecheggiano chiaramente “Figura alla finestra”. Esiste una versione in cui Dalì si è vendicato di sua sorella per il suo libro.

Danae bifronte

Rembrandt Harmens van Rijn, "Danae", 1636 - 1647.

Molti segreti di uno dei dipinti più famosi di Rembrandt furono svelati solo negli anni '60 del XX secolo, quando la tela fu illuminata con i raggi X. Ad esempio, la sparatoria ha mostrato che in una prima versione il volto della principessa, che iniziò una storia d’amore con Zeus, era simile al volto di Saskia, la moglie del pittore, morta nel 1642. Nella versione finale del dipinto, cominciò ad assomigliare al volto di Gertje Dirks, l’amante di Rembrandt, con la quale l’artista visse dopo la morte di sua moglie.

La camera gialla di Van Gogh

Vincent Van Gogh, "Camera da letto ad Arles", 1888 - 1889.

Nel maggio 1888, Van Gogh acquistò un piccolo studio ad Arles, nel sud della Francia, dove fuggì dagli artisti e dai critici parigini che non lo capivano. In una delle quattro stanze, Vincent allestisce una camera da letto. In ottobre tutto è pronto e decide di dipingere “La camera da letto di Van Gogh ad Arles”. Per l'artista il colore e il comfort della stanza erano molto importanti: tutto doveva evocare pensieri di relax. Allo stesso tempo, l'immagine è disegnata in toni gialli allarmanti.

I ricercatori del lavoro di Van Gogh lo spiegano con il fatto che l'artista ha preso la digitale, un rimedio per l'epilessia, che provoca gravi cambiamenti nella percezione del colore del paziente: l'intera realtà circostante è dipinta nei toni del verde e del giallo.

Perfezione senza denti

Leonardo da Vinci, "Ritratto di Lady Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.

L'opinione generalmente accettata è che la Gioconda sia la perfezione e il suo sorriso sia bello nel suo mistero. Tuttavia, il critico d'arte americano (e dentista part-time) Joseph Borkowski ritiene che, a giudicare dalla sua espressione facciale, l'eroina abbia perso molti denti. Studiando le fotografie ingrandite del capolavoro, Borkowski scoprì anche cicatrici intorno alla bocca. "Lei "sorride" così proprio per quello che le è successo", ritiene l'esperto. "La sua espressione facciale è tipica delle persone che hanno perso i denti anteriori."

Maggiore sul controllo del volto

Pavel Fedotov, "Il matrimonio del maggiore", 1848.

Il pubblico, che per primo ha visto il dipinto "The Major's Matchmaking", ha riso di cuore: l'artista Fedotov lo ha riempito di dettagli ironici comprensibili al pubblico di quel tempo. Ad esempio, il maggiore chiaramente non ha familiarità con le regole del galateo nobile: si è presentato senza i bouquet richiesti per la sposa e sua madre. E i suoi genitori mercantili vestirono la sposa stessa con un abito da ballo da sera, sebbene fosse giorno (tutte le lampade nella stanza erano spente). La ragazza ovviamente ha provato per la prima volta un abito scollato, è imbarazzata e cerca di scappare in camera sua.

Perché la Libertà è nuda?

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, La libertà sulle barricate, 1830.

Secondo il critico d'arte Etienne Julie, Delacroix ha basato il volto della donna sul famoso rivoluzionario parigino: la lavandaia Anne-Charlotte, che andò sulle barricate dopo la morte di suo fratello per mano dei soldati reali e uccise nove guardie. L'artista la raffigurò con il seno nudo. Secondo il suo piano, questo è un simbolo di coraggio e altruismo, nonché del trionfo della democrazia: il seno nudo mostra che la Libertà, come cittadino comune, non indossa un corsetto.

Quadrato non quadrato

Kazimir Malevich, “Piazza nera suprematista”, 1915.

In effetti, il “Quadrato Nero” non è affatto nero e non è affatto quadrato: nessuno dei lati del quadrilatero è parallelo a nessuno degli altri suoi lati, e a nessuno dei lati della cornice quadrata che incornicia l’immagine. E il colore scuro è il risultato della mescolanza di vari colori, tra i quali non c'era il nero. Si ritiene che questa non sia stata negligenza dell'autore, ma una posizione di principio, il desiderio di creare una forma dinamica e in movimento.

Gli specialisti della Galleria Tretyakov hanno scoperto l'iscrizione dell'autore sul famoso dipinto di Malevich. L'iscrizione recita: "La battaglia dei neri nella caverna oscura". Questa frase si riferisce al titolo del dipinto umoristico del giornalista, scrittore e artista francese Alphonse Allais, "La battaglia dei negri in una caverna oscura nel cuore della notte", che era un rettangolo completamente nero.

Melodramma della Monna Lisa austriaca

Gustav Klimt, "Ritratto di Adele Bloch-Bauer", 1907.

Uno dei dipinti più significativi di Klimt raffigura la moglie del magnate dello zucchero austriaco Ferdinad Bloch-Bauer. Tutta Vienna discuteva della tempestosa storia d'amore tra Adele e il famoso artista. Il marito ferito voleva vendicarsi delle sue amanti, ma scelse un metodo molto insolito: decise di ordinare un ritratto di Adele a Klimt e costringerlo a realizzare centinaia di schizzi finché l'artista non iniziò a vomitare da lei.

Bloch-Bauer voleva che il lavoro durasse diversi anni, in modo che il soggetto potesse vedere come i sentimenti di Klimt stavano svanendo. Ha fatto un'offerta generosa all'artista, che non ha potuto rifiutare, e tutto è andato secondo lo scenario del marito ingannato: il lavoro è stato completato in 4 anni, gli amanti si erano calmati da tempo l'uno con l'altro. Adele Bloch-Bauer non ha mai saputo che suo marito fosse a conoscenza della sua relazione con Klimt.

Il dipinto che ha riportato in vita Gauguin

Paul Gauguin, "Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo?", 1897-1898.

Il dipinto più famoso di Gauguin ha una particolarità: viene “letto” non da sinistra a destra, ma da destra a sinistra, come i testi cabalistici a cui l'artista era interessato. È in questo ordine che si svolge l'allegoria della vita spirituale e fisica umana: dalla nascita dell'anima (un bambino addormentato nell'angolo in basso a destra) all'inevitabilità dell'ora della morte (un uccello con una lucertola tra gli artigli in nell'angolo in basso a sinistra).

Il dipinto è stato dipinto da Gauguin a Tahiti, dove l'artista fuggì più volte dalla civiltà. Ma questa volta la vita sull'isola non ha funzionato: la povertà totale lo ha portato alla depressione. Terminata la tela, che sarebbe diventata il suo testamento spirituale, Gauguin prese una scatola di arsenico e si recò in montagna a morire. Tuttavia, non calcolò la dose e il suicidio fallì. La mattina dopo, barcollò verso la sua capanna e si addormentò, e quando si svegliò sentì una sete di vita dimenticata. E nel 1898, i suoi affari iniziarono a migliorare e iniziò un periodo più luminoso nel suo lavoro.

112 proverbi in un'unica immagine

Pieter Bruegel il Vecchio, "Proverbi olandesi", 1559

Pieter Bruegel il Vecchio dipinse una terra abitata da immagini letterali dei proverbi olandesi di quei tempi. Il dipinto contiene circa 112 idiomi riconoscibili. Alcuni di essi sono utilizzati ancora oggi, ad esempio: “nuotare contro corrente”, “sbattere la testa contro il muro”, “armati fino ai denti” e “il pesce grosso mangia il pesce piccolo”.

Altri proverbi riflettono la stupidità umana.

Soggettività dell'art

Paul Gauguin, “Villaggio bretone nella neve”, 1894

Il dipinto di Gauguin "Villaggio bretone nella neve" fu venduto dopo la morte dell'autore per soli sette franchi e, inoltre, con il nome "Cascate del Niagara". L'uomo che ha organizzato l'asta ha appeso accidentalmente il dipinto a testa in giù perché vi ha visto una cascata.

Immagine nascosta

Pablo Picasso, “Camera Blu”, 1901

Nel 2008, la radiazione infrarossa ha rivelato che nascosta sotto la Sala Blu c'era un'altra immagine: il ritratto di un uomo vestito con un abito con un papillon e con la testa appoggiata sulla mano. “Non appena Picasso ebbe una nuova idea, prese il pennello e la diede vita. Ma non aveva l’opportunità di acquistare una nuova tela ogni volta che una musa lo visitava”, spiega possibile motivo questa critica d'arte Patricia Favero.

Marocchini indisponibili

Zinaida Serebryakova, “Nuda”, 1928

Un giorno Zinaida Serebryakova ricevette un'offerta allettante: intraprendere un viaggio creativo per rappresentare le figure nude delle fanciulle orientali. Ma si è scoperto che trovare modelli in quei luoghi era semplicemente impossibile. Il traduttore di Zinaida è venuto in soccorso: le ha portato le sue sorelle e la fidanzata. Nessuno prima o dopo è riuscito a immortalare donne orientali nude e chiuse.

Intuizione spontanea

Valentin Serov, “Ritratto di Nicola II in giacca”, 1900

Per molto tempo Serov non riuscì a dipingere un ritratto dello zar. Quando l'artista si arrese completamente, si scusò con Nikolai. Nikolai era un po' turbato, si sedette al tavolo, allungando le braccia davanti a sé... E poi l'artista si rese conto: ecco l'immagine! Un semplice militare con la giacca da ufficiale con gli occhi chiari e tristi. Questo ritratto è considerato la migliore rappresentazione dell'ultimo imperatore.

Un altro diavolo

© Fedor Reshetnikov

Il famoso dipinto “Deuce Again” è solo la seconda parte di una trilogia artistica.

La prima parte è “Arrivati ​​in vacanza”. Ovviamente una famiglia benestante, vacanze invernali, uno studente gioioso e eccellente.

La seconda parte è "Ancora un diavolo". Una famiglia povera della periferia operaia, nel pieno dell'anno scolastico, un idiota abbattuto che prese ancora una volta un brutto voto. Nell'angolo in alto a sinistra puoi vedere il dipinto “Arrivati ​​per le vacanze”.

La terza parte è “Riesame”. Una casa di campagna, estate, tutti camminano, un malizioso ignorante, che non ha superato l'esame annuale, è costretto a sedersi tra quattro mura e stipare. Nell'angolo in alto a sinistra puoi vedere il dipinto “Deuce Again”.

Come nascono i capolavori

Joseph Turner, Pioggia, vapore e velocità, 1844

Nel 1842, la signora Simon viaggiò in treno in Inghilterra. All'improvviso iniziò un forte acquazzone. L'anziano signore seduto di fronte a lei si alzò, aprì la finestra, sporse la testa e guardò per una decina di minuti. Incapace di contenere la curiosità, anche la donna aprì la finestra e cominciò a guardare avanti. Un anno dopo, in una mostra alla Royal Academy of Arts, scopre il dipinto “Rain, Steam and Speed” e vi riconosce lo stesso episodio sul treno.

Lezione di anatomia da Michelangelo

Michelangelo, "La Creazione di Adamo", 1511

Una coppia di esperti americani di neuroanatomia ritiene che Michelangelo abbia effettivamente lasciato alcune illustrazioni anatomiche in uno dei suoi libri opere famose. Credono che il lato destro del dipinto raffiguri un enorme cervello. Sorprendentemente, si possono trovare anche componenti complessi come il cervelletto, nervi ottici e ghiandola pituitaria. E l'accattivante nastro verde si abbina perfettamente alla posizione dell'arteria vertebrale.

"L'Ultima Cena" di Van Gogh

Vincent Van Gogh, Terrazza del caffè di notte, 1888

Il ricercatore Jared Baxter ritiene che il dipinto di Van Gogh “La terrazza del caffè di notte” contenga una dedica crittografata all’”Ultima Cena” di Leonardo da Vinci. Al centro dell'immagine c'è un cameriere con capelli lunghi e in una tunica bianca che ricorda gli abiti di Cristo, e intorno a lui ci sono esattamente 12 visitatori del caffè. Baxter attira l'attenzione anche sulla croce situata direttamente dietro il cameriere in bianco.

L'immagine della memoria di Dalì

Salvador Dalì, “La persistenza della memoria”, 1931

Non è un segreto che i pensieri che hanno visitato Dalì durante la creazione dei suoi capolavori fossero sempre sotto forma di immagini molto realistiche, che l'artista ha poi trasferito su tela. Quindi, secondo l'autore stesso, il dipinto “La persistenza della memoria” è stato dipinto a seguito di associazioni nate dalla vista del formaggio fuso.

Di cosa sta urlando Munch?

Edvard Munch, "L'urlo", 1893.

Munch ha parlato dell'idea di uno dei dipinti più misteriosi della pittura mondiale: “Stavo camminando lungo un sentiero con due amici - il sole stava tramontando - all'improvviso il cielo è diventato rosso sangue, mi sono fermato, sentendomi esausto, e mi sono appoggiato il recinto - ho guardato sangue e fiamme sul fiordo nero-bluastro e sulla città - i miei amici sono andati avanti, e io sono rimasto tremante per l'eccitazione, sentendo l'urlo infinito che trafiggeva la natura." Ma quale tipo di tramonto potrebbe spaventare così tanto l'artista?

Esiste una versione secondo cui l'idea di "L'Urlo" è nata a Munch nel 1883, quando si verificarono diverse potenti eruzioni del vulcano Krakatoa, così potenti da cambiare la temperatura dell'atmosfera terrestre di un grado. Copiose quantità di polvere e cenere si diffusero in tutto il mondo, raggiungendo persino la Norvegia. Per diverse sere di seguito, i tramonti sembravano come se stesse per arrivare l'apocalisse: uno di loro è diventato fonte di ispirazione per l'artista.

Uno scrittore tra la gente

Alexander Ivanov, "L'apparizione di Cristo al popolo", 1837-1857.

Decine di modelli hanno posato per Alexander Ivanov per il suo dipinto principale. Uno di questi è conosciuto niente meno che l'artista stesso. Sullo sfondo, tra viaggiatori e cavalieri romani che non hanno ancora ascoltato la predica di Giovanni Battista, si vede un personaggio in tunica. Ivanov lo ha scritto da Nikolai Gogol. Lo scrittore ha comunicato a stretto contatto con l'artista in Italia, in particolare su questioni religiose, e gli ha dato consigli durante il processo di pittura. Gogol credeva che Ivanov "fosse morto da tempo per il mondo intero, tranne che per il suo lavoro".

La gotta di Michelangelo

Raffaello Santi, "La Scuola di Atene", 1511.

Creando il famoso affresco "La Scuola di Atene", Raffaello immortalò i suoi amici e conoscenti nelle immagini degli antichi filosofi greci. Uno di questi era Michelangelo Buonarotti “nei panni” di Eraclito. Per diversi secoli, l'affresco ha custodito i segreti della vita personale di Michelangelo, e i ricercatori moderni hanno suggerito che il ginocchio stranamente angoloso dell'artista indica che aveva una malattia articolare.

Ciò è abbastanza probabile, date le peculiarità dello stile di vita e delle condizioni di lavoro degli artisti del Rinascimento e il cronico maniaco del lavoro di Michelangelo.

Specchio dei coniugi Arnolfini

Jan van Eyck, "Ritratto dei coniugi Arnolfini", 1434

Nello specchio dietro i coniugi Arnolfini si vedono riflesse altre due persone nella stanza. Molto probabilmente, questi sono testimoni presenti alla conclusione del contratto. Uno di questi è van Eyck, come testimonia l’iscrizione latina posta, contrariamente alla tradizione, sopra lo specchio al centro della composizione: “Jan van Eyck era qui”. Questo è il modo in cui solitamente venivano stipulati i contratti.

Come uno svantaggio si è trasformato in un talento

Rembrandt Harmens van Rijn, Autoritratto all'età di 63 anni, 1669.

La ricercatrice Margaret Livingston ha studiato tutti gli autoritratti di Rembrandt e ha scoperto che l'artista soffriva di strabismo: nelle immagini i suoi occhi guardano in direzioni diverse, cosa che non si osserva nei ritratti di altre persone del maestro. La malattia ha fatto sì che l'artista fosse in grado di percepire la realtà in due dimensioni meglio delle persone con una vista normale. Questo fenomeno è chiamato “cecità stereo” – l’incapacità di vedere il mondo in 3D. Ma poiché il pittore deve lavorare con un'immagine bidimensionale, proprio questo difetto di Rembrandt potrebbe essere una delle spiegazioni del suo talento fenomenale.

Venere senza peccato

Sandro Botticelli, "Nascita di Venere", 1482-1486.

Prima della comparsa della Nascita di Venere, l'immagine di un corpo femminile nudo nella pittura simboleggiava solo l'idea del peccato originale. Sandro Botticelli fu il primo dei pittori europei a non trovare nulla di peccaminoso in lui. Inoltre, gli storici dell'arte sono sicuri che la dea pagana dell'amore simboleggi un'immagine cristiana nell'affresco: il suo aspetto è un'allegoria della rinascita di un'anima che ha subito il rito del battesimo.

Suonatore di liuto o suonatore di liuto?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, "Il suonatore di liuto", 1596.

Per lungo tempo il dipinto fu esposto all'Ermitage con il titolo “Il suonatore di liuto”. Solo all'inizio del XX secolo gli storici dell'arte concordarono nel ritenere che il dipinto raffigurasse un giovane (probabilmente posò per lui un conoscente di Caravaggio, il pittore Mario Minniti): sulle note davanti al musicista si vede una registrazione del basso verso del madrigale di Jacob Arkadelt “Sai che ti amo” . Una donna difficilmente potrebbe fare una scelta del genere: è solo dura per la gola. Inoltre, il liuto, come il violino all’estremità del quadro, era considerato uno strumento maschile all’epoca di Caravaggio.

Ci sono opere d'arte che sembrano colpire lo spettatore in testa, sbalorditive e sorprendenti. Altri ti trascinano nel pensiero e nella ricerca di strati di significato e simbolismo segreto. Alcuni dipinti sono avvolti da segreti e misteri mistici, mentre altri sorprendono con prezzi esorbitanti.

Abbiamo esaminato attentamente tutte le principali conquiste della pittura mondiale e da esse abbiamo selezionato due dozzine dei dipinti più strani. Salvador Dalì, le cui opere rientrano completamente nel formato di questo materiale e sono le prime a venire in mente, non sono state incluse appositamente in questa collezione.

È chiaro che la “stranezza” è un concetto piuttosto soggettivo e ognuno ha i propri dipinti straordinari che si distinguono dalle altre opere d’arte. Saremo lieti se li condividerai nei commenti e ce ne parlerai qualcosa.

"Grido"

Edvard Munch. 1893, cartone, olio, tempera, pastello.
Galleria Nazionale, Oslo.

L'Urlo è considerato un evento espressionista fondamentale e uno dei dipinti più famosi al mondo.

Ci sono due interpretazioni di ciò che viene raffigurato: è l'eroe stesso che è colto dall'orrore e urla silenziosamente, premendosi le mani sulle orecchie; oppure l'eroe si chiude le orecchie al grido del mondo e della natura che risuona intorno a lui. Munch ha scritto quattro versioni di "L'urlo", e esiste una versione secondo cui questo dipinto è il frutto della psicosi maniaco-depressiva di cui soffriva l'artista. Dopo un ciclo di cure in clinica, Munch non è tornato a lavorare sulla tela.

“Stavo camminando lungo il sentiero con due amici. Il sole stava tramontando - all'improvviso il cielo è diventato rosso sangue, mi sono fermato, sentendomi esausto, e mi sono appoggiato al recinto - ho guardato il sangue e le fiamme sul fiordo e sulla città nero-bluastro. I miei amici sono andati avanti e io sono rimasto lì, tremando per l'eccitazione, sentendo un grido infinito che trafiggeva la natura", ha detto Edvard Munch sulla storia del dipinto.

“Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?"

Paolo Gauguin. 1897-1898, olio su tela.
Museo delle Belle Arti, Boston.

Secondo lo stesso Gauguin, il dipinto dovrebbe essere letto da destra a sinistra: tre gruppi principali di figure illustrano le domande poste nel titolo.

Tre donne con un bambino rappresentano l'inizio della vita; gruppo centrale simboleggia l'esistenza quotidiana della maturità; nel gruppo finale, secondo il progetto dell’artista, “la vecchia, avvicinandosi alla morte, sembra riconciliata e abbandonata ai suoi pensieri”, ai suoi piedi “uno strano uccello bianco… rappresenta l’inutilità delle parole”.

La pittura profondamente filosofica del post-impressionista Paul Gauguin fu da lui dipinta a Tahiti, dove fuggì da Parigi. Una volta terminata l'opera, volle addirittura suicidarsi: "Credo che questo dipinto sia superiore a tutti i miei precedenti e che non creerò mai qualcosa di migliore o anche solo simile". Visse altri cinque anni e così accadde.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, olio su tela.
Museo Reina Sofia, Madrid.

Guernica presenta scene di morte, violenza, brutalità, sofferenza e impotenza, senza specificarne le cause immediate, ma sono evidenti. Si dice che nel 1940 Pablo Picasso fu convocato dalla Gestapo a Parigi. La conversazione si è subito spostata sul dipinto. "Hai fatto questo?" - "No, l'hai fatto."

L'enorme affresco “Guernica”, dipinto da Picasso nel 1937, racconta la storia di un'incursione di un'unità di volontari della Luftwaffe sulla città di Guernica, a seguito della quale la città di seimila abitanti fu completamente distrutta. Il dipinto è stato dipinto letteralmente in un mese: i primi giorni di lavoro sul dipinto, Picasso ha lavorato per 10-12 ore e già nei primi schizzi si poteva vedere l'idea principale. Questo è uno dei migliori esempi dell'incubo del fascismo, nonché della crudeltà e del dolore umani.

"Ritratto dei coniugi Arnolfini"

Jan van Eyck. 1434, legno, olio.
Galleria Nazionale di Londra, Londra.

Il famoso dipinto è pieno di simboli, allegorie e riferimenti vari, fino alla firma "Jan van Eyck era qui", che ha trasformato il dipinto non solo in un'opera d'arte, ma in un documento storico che conferma la realtà dell'evento. alla quale era presente l'artista.

Il ritratto, presumibilmente di Giovanni di Nicolao Arnolfini e di sua moglie, è una delle opere più complesse della scuola occidentale della pittura rinascimentale settentrionale.

In Russia, negli ultimi anni, il dipinto ha guadagnato grande popolarità grazie alla somiglianza del ritratto di Arnolfini con Vladimir Putin.

"Demone seduto"

Michail Vrubel. 1890, olio su tela.
Galleria Statale Tretyakov, Mosca.

"Le mani gli resistono"

Bill Stoneham. 1972.

Quest'opera, ovviamente, non può essere classificata tra i capolavori della pittura mondiale, ma il fatto che sia strana è un dato di fatto.

Ci sono leggende che circondano il dipinto con un ragazzo, una bambola e le sue mani premute contro il vetro. Da “le persone stanno morendo a causa di questa immagine” a “i bambini in essa sono vivi”. L'immagine sembra davvero inquietante, il che suscita molte paure e speculazioni tra le persone con una psiche debole.

L'artista ha insistito sul fatto che il dipinto raffigurava se stesso all'età di cinque anni, che la porta rappresentava la linea di demarcazione tra il mondo reale e il mondo dei sogni e che la bambola era una guida che poteva guidare il ragazzo attraverso questo mondo. Le mani rappresentano vite o possibilità alternative.

Il dipinto ha guadagnato notorietà nel febbraio 2000 quando è stato messo in vendita su eBay con un retroscena che diceva che il dipinto era "infestato". "Hands Resist Him" ​​è stato acquistato per $ 1.025 da Kim Smith, che è stato poi semplicemente inondato di lettere con storie inquietanti e richieste di bruciare il dipinto.