Picturi rusești celebre și autorii lor. Ce genuri principale de pictură cunoașteți? „Madona Sixtina”, Raphael Santi

La 3 decembrie 1961, la Muzeul de Artă Modernă din New York a avut loc un eveniment semnificativ - pictura lui Matisse „Barca”, care a stat cu capul în jos timp de 46 de zile, a fost reîngăduită în mod corespunzător. Merită spus că acesta nu este un incident amuzant izolat asociat cu picturile unor mari artiști.

Pablo Picasso a pictat unul dintre celebrele sale portrete în mai puțin de 5 minute

Ehrenburg și-a exprimat surprinderea de viteza de execuție a lucrării, pentru că nu trecuseră nici măcar 5 minute, la care Picasso a răspuns: „Te cunosc de 40 de ani. Și în toți acești 40 de ani am învățat să pictez portrete în 5 minute.”.

Ilya Repin a ajutat la vânzarea unui tablou pe care nu l-a pictat

Urșii din faimoasa pictură a lui Shishkin au fost pictați de un alt artist

O bucată de plăci de fibre, peste care a fost turnată pur și simplu vopsea, a devenit una dintre cele mai scumpe tablouri

Rubens a criptat data creării picturii sale folosind stele.

Logo-ul Chupa Chups a fost desenat de faimosul suprarealist

De menționat că în 1967 în Italia, cu binecuvântarea Papei, a fost lansat cu ilustrații de Salvador Dali.

Cel mai scump tablou Făina aduce nenorocire

Unul dintre angajații Muzeului Munch a scăpat odată accidental un tablou, după care a început să sufere de dureri de cap îngrozitoare, ceea ce l-a determinat pe acest bărbat la sinucidere. Un alt angajat al muzeului, care nu a putut să se țină de tablou, a fost implicat într-un accident de mașină groaznic doar câteva minute mai târziu. Și un vizitator al muzeului care și-a permis să atingă tabloul, după ceva timp, a ars de viu într-un incendiu. Cu toate acestea, este posibil ca acestea să fie doar coincidențe.

„Pătratul negru” al lui Malevici are un „frate mai mare”

Hristos și Iuda din pictura lui Da Vinci au același chip

Odată ajuns pe stradă, artistul a văzut un bețiv care încerca fără succes să iasă dintr-o cloacă. Da Vinci l-a dus la unul dintre băuturi, l-a așezat și a început să deseneze. Imaginează-ți surpriza artistului când, după ce și-a deschis gândurile, bețivul a recunoscut că a pozat deja pentru el în urmă cu câțiva ani. S-a dovedit că acesta era același cântăreț.

Genii, inovatori, brawlers, pionieri care au avut un impact incredibil asupra culturii mondiale. Cei mai mari artiști ruși - cine sunt ei?

Top 7 artiști ruși

Printre cei mai remarcabili și influenți artiști ruși:

1. Kazimir Malevici(1879-1935) – autorul celei mai controversate lucrări din întreaga istorie a picturii mondiale, „Pătratul Negru”. Cu toate acestea, moștenirea lui Malevich este grozavă și include, în special, nu numai pătratele „Negru”, ci și „Roșu” și „Alb”. Cel mai scandalos și mai scump dintre artiștii ruși. Capodopera sa „Suprematist Composition” a fost vândută la Sotheby’s pentru 60 de milioane de dolari.

2. Ivan Aivazovski(1817-1900) – cel mai mare pictor maritim rus, autor al nemuritorului „Al nouălea val”. Cel mai prolific artist - a pictat peste 6 mii de tablouri. Datorită moștenirii sale enorme, el este și unul dintre cei mai contrafăcuți artiști din lume. Cunoscut pe scară largă în Occident, lucrările sale sunt vândute în mod regulat la licitații, inclusiv la Sotheby's.

3. Viktor Vasnețov(1848-1936) - poate cel mai rus dintre toți artiștii ruși. Cunoscut pentru lucrările sale care glorific folclorul, basmele și epopeele. Nu numai autorul „Trei eroi”, ci și unul dintre dezvoltatorii budenovka sovietică.

4. Kuzma Petrov-Vodkin(1878-1939) - cel mai revoluționar artist. Tabloul „Scăldat calul roșu” a prezis profetic revolte teribile în Rusia. Deși a fost adesea criticat pentru erotismul său (a înfățișat cu îndrăzneală nu numai femei goale, ci și bărbați), în general poate fi considerat precursorul realismului socialist. La licitaţiile străine succes imens Nu operele lui revoluționare sunt folosite atât de mult, cât naturile lui moarte.

5. Vasili Vereșchagin(1842–1904) – pictor de luptă, renumit pentru reprezentările sale documentare ale ororilor războiului. Cea mai faimoasă lucrare este „Apoteoza războiului”, înfățișând un morman de cranii albite de soarele arzător. A fost persecutat timp de zeci de ani de guvernul țarist pentru poziția sa pacifistă. În același timp, s-a bucurat de o popularitate incredibilă atât în ​​Rusia, cât și în Occident. Expoziția sa din Sankt Petersburg în 1880 a fost vizitată de 240 de mii de oameni (în 40 de zile), la Berlin - 140 de mii de oameni (în 65 de zile), la Viena - 110 mii (în 28 de zile). Multe vedete pop moderne nu au visat niciodată la o asemenea faimă.

6. Vladimir Tatlin(1885–1953) – fondator al constructivismului, artist, arhitect, grafician. Opera sa artistică, similară ca stil cu creațiile timpurii ale lui Picasso, este expusă la Muzeul Pompidou din Paris și la Biblioteca Oxford. Capodopera sa „Turnul lui Tatlin” este unul dintre cele mai recunoscute și replicate simboluri ale avangardismului din lume. S-a bucurat de un succes enorm în Occident („Arta mașinilor lui Tatlin”) și a inspirat o întreagă generație de artiști dada, inclusiv maestrul suprarealismului, francezul Marcel Duchamp.

7. Ilya Glazunov(născut în 1930) este cel mai monumental artist rus. Cea mai cunoscută este pânza sa „Rusia eternă” (dimensiune - 3x6 m) - o cronică pitorească a istoriei Rusiei pentru anii 988-1988, dedicată aniversării a 1000 de ani de la botezul Rusiei. În total, a realizat peste 3 mii de lucrări (portrete, peisaje, picturi istorice și politice). Reputația lui Glazunov este incontestabilă - unii îl consideră un geniu, alții - un oportunist. Un lucru este clar - aceasta este o figură de scară titanică, ca pânzele sale.

Aș vrea să cred că în viitor vor apărea și în Rusia artiști capabili să schimbe ideile omenirii despre frumusețe.

Aceste imagini sunt imprimate în conștiința fiecărui rus. Sunt cunoscute fiecăruia dintre noi încă din copilărie. Ele sunt parte integrantă a culturii ruse. Și cel puțin din acest motiv merită să știm puțin mai multe despre ei.

Să trecem prin lista celor mai remarcabile picturi ale artiștilor ruși. Și, cel mai important, să ne dăm seama de ce sunt atât de admirați.

Și pentru a nu ne plictisi, vom dilua cunoștințele importante fapte interesante. Să aflăm cum a vrut Alexander Ivanov să-l depășească pe Karl Bryullov. Și Ilya Repin și-a distrus „Barge Haulers” din cauza criticilor lui Ivan Shishkin.

1. „Ultima zi a Pompeii” de Bryullov (1833)

Fără exagerare, știm despre tragedia de la Pompei în primul rând datorită lui Karl Bryullov (1799-1852). Cândva, a făcut zgomot atât în ​​Italia, cât și în Rusia cu capodopera sa. Și totul pentru că a găsit un echilibru uimitor între adevăr și ficțiune.

Bryullov a descris o stradă adevărată. Și chiar și unii dintre eroi sunt oameni reali. Bryullov le-a văzut rămășițele în timpul săpăturilor.

Dar artistul a arătat acest dezastru ca fiind incredibil de... frumos. Ceea ce, desigur, nu era în realitate.

Se pare că spectatorul simpatizează cu acești oameni. Dar nu este îngrozit de detaliile teribile. Nefericiții lui Bryullov sunt divin de frumoși chiar și cu o clipă înainte de moarte.

Nimeni nu ar putea depăși „Ultima zi a Pompeii” în popularitate printre contemporanii săi. Artistul a fost purtat în brațe: la urma urmei, a împărțit istoria picturii ruse în „înainte și după”. De atunci, din 1833, lumea întreagă vorbește despre arta rusă.

2. „Al nouălea val” de Aivazovsky (1850)

Karl Bryullov a spus că a simțit sare pe buze când s-a uitat la „Al nouălea val” de Ivan Aivazovsky (1817-1900). Realist nu este cuvântul potrivit. Dar nu este atât de simplu.

Șorțurile de valuri NU se găsesc în larg. Curburile valurilor se formează numai în apropierea țărmului. Prin urmare, surferii nu au ce face pe mare.

Ivan Aivazovsky a folosit acest truc pentru a face revolta naturii... mai spectaculoasă. La urma urmei, ca și Bryullov, a fost un romantic și a cântat măreția elementelor.

Al nouălea val a avut toate șansele să devină o capodopera. Aivazovsky a fost singurul pictor marin rus la acea vreme. În același timp, a lucrat incredibil de priceput. Mai mult, a arătat tragedia sfâșietoare a marinarilor.

3. „Apariția lui Hristos în popor” de Ivanov (1857)

Alexander Ivanov (1806-1858) și-a dorit cu adevărat să-l eclipseze pe Bryullov cu Pompeii. Am luat o pânză de 2 ori mai mare. Și a lucrat de 4 ori mai mult (20 de ani față de cei cinci ai lui Bryullov).

Dar ceva a mers prost. Nimeni nu-l purta pe Ivanov în brațe (deși așa spera). Triumful nu a avut loc.

Publicul nu a apreciat rândul de 35 de personaje în tunici multicolore. În plus, imaginea este greu de „citit”: la urma urmei, fiecare dintre aceste personaje are propria lor reacție la prima apariție a lui Hristos! Cineva este fericit. Unii se îndoiesc că acesta este „Mielul lui Dumnezeu”. Și cineva este supărat pentru că a apărut un nou concurent.

Da, în film nu există o revoltă spectaculoasă a elementelor, precum Bryullov și Aivazovsky. Și nu există niciun motiv să simpatizeze cu soarta tragică a personajelor principale.

Dar publicul era obișnuit cu efectele speciale: așa că nu au fost impresionați. Ei bine, în zilele noastre blockbuster-urile de la Hollywood sunt, de asemenea, mai populare decât filmele de autor.

Dar, de fapt, Ivanov a realizat de unul singur o revoluție în pictura rusă. Trecerea de la poveștile teatrale și pompoase la experiențe oameni normali.

Iar realiștii ruși (Repin, Kramskoy, Savrasov și alții) au devenit ceea ce îi cunoaștem doar datorită faptelor picturale ale lui Ivanov.

4. „Curgurile au sosit” de Savrasov (1871)

Alexey Savrasov (1830-1897), ca și Alexander Ivanov, a făcut o revoluție. Dar mai înalt specializat. În zona peisajului.

Cu lucrarea „The Rooks Have Arrived” a început epoca peisajului de dispozitie.

Imaginea are un paradox.

Pe de o parte, peisajul... este plictisitor și monocrom. La ce te mai poți aștepta de la sfârșitul lunii martie, mai ales în interiorul rusesc prost întreținut? Aici nămolul, culoarea gri și degradarea sunt garantate.

Dar cumva ca magic, totul ni se pare dulce și sincer. Secretul este în direcția subtilă a privitorului către emoții plăcute.

La urma urmei, artista a ales un moment foarte interesant: este încă frig, dar căldura este pe cale să vină. Ne place acest sentiment de schimbare iminentă în bine.

De aici și senzațiile plăcute, aparent fără motiv. Doar că abia se observă.

De când Savrasov și-a creat „Rooks” în 1871, aproape toate peisajele rusești au fost chiar așa - poetice și capricioase.

5. „Transportatori de barje pe Volga” de Repin (1870-1873)

„Transportatori de șlepuri pe Volga” este capodopera principală a lui Ilya Repin (1844-1930). Deși artistul a creat-o când nu avea nici măcar 30 de ani.

Imaginea a devenit deosebit de populară în ora sovietică. Un astfel de complot se potrivea foarte mult ideologiei oprimaților. Așa că am văzut-o în manuale și pe cutii de chibrituri.

Îți amintești ce ți-am spus mai sus despre revoluția lui Alexandru Ivanov? A fost primul din pictura rusă care a pus pe rând oamenii obișnuiți și i-a înzestrat cu diferite emoții.

Așa că Repin a învățat toate lecțiile lui Ivanov. Dar a adus realismul la absolut.

Adevărații șlepuri au pozat pentru artist. Le știm numele și soarta (adică acești oameni au avut noroc: au intrat în istorie).

Al lor aspect incredibil de credibil. Acesta este exact ceea ce devin hainele din purtarea și mersul prin vânătoarea de coastă timp de mulți ani.

În acest sens, Ivanov era încă un clasicist: chitonurile eroilor săi sunt prea curate, ca în vitrina unui magazin.

Dar nu numai aspectul zdrențuit al săracilor ne face să simpatizăm cu ei.

Artistul a pictat și un vapor cu aburi în depărtare. Se spune că motoarele au fost deja inventate și toată lumea își bate joc de oameni. Da, artiștilor ruși le-a plăcut să adauge acest „Oh, ce rău”.

6. „Fata cu piersici” de Serov (1887)

Valentin Serov (1865-1911) era chiar mai tânăr decât Repin când a creat Fata cu piersici, principala sa capodopera. Avea 22 de ani!

Se pare că aceasta este o particularitate a artiștilor ruși - își prezintă principalele creații în funcție de tinerețe: Bryullov, Repin. Și Serov merge și el acolo.

Dar, serios, ceea ce este izbitor la această lucrare este cu totul altceva. Este scrisă în stilul . Și asta a fost când în Rusia nu știau aproape nimic despre această direcție a picturii!

Dar Serov a pictat intuitiv un tablou cu umbre colorate, reflexe multicolore (pete colorate-reflexii ale unor obiecte asupra altora), lovituri vizibile.

7. „Dimineața într-o pădure de pini” de Shishkin (1889)

Ivan Sișkin (1832-1898) și-a permis să critice alți artiști. Deci Ilya Repin a primit-o de la el. El a blestemat copacii desenați incorect din tabloul „Transportatori de șlepuri pe Volga”.

Aproape fiecare operă de artă semnificativă conține un mister, un „fund dublu” sau istorie secretă, pe care vreau să-l dezvălui.

Muzică pe fese

Hieronymus Bosch, „Grădina deliciilor pământești”, 1500-1510.

Fragment dintr-un triptic

Disputele despre semnificațiile și semnificațiile ascunse ale celei mai faimoase lucrări a artistului olandez nu s-au domolit de la apariția acesteia. Aripa dreaptă a tripticului intitulat „Iadul muzical” înfățișează păcătoși care sunt torturați în lumea interlopă cu ajutorul instrumentelor muzicale. Unul dintre ei are note muzicale ștampilate pe fese. Amelia Hamrick, studenta de la Universitatea Creștină din Oklahoma, care a studiat pictura, a tradus notația din secolul al XVI-lea într-o întorsătură modernă și a înregistrat „un cântec de 500 de ani din iad”.

Nud Mona Lisa

Celebra „La Gioconda” există în două versiuni: varianta nud se numește „Monna Vanna”, a fost pictată de puțin cunoscutul artist Salai, care a fost elev și șef al marelui Leonardo da Vinci. Mulți istorici de artă sunt siguri că el a fost modelul pentru picturile lui Leonardo „Ioan Botezătorul” și „Bacchus”. Există, de asemenea, versiuni în care Salai, îmbrăcată într-o rochie de femeie, a servit drept imagine a Mona Lisei însăși.

Bătrân pescar

În 1902, artistul maghiar Tivadar Kostka Csontvary a pictat pictura „Pescarul bătrân”. S-ar părea că nu există nimic neobișnuit în imagine, dar Tivadar a pus în ea un subtext care nu a fost niciodată dezvăluit în timpul vieții artistului.

Puțini oameni s-au gândit să pună o oglindă în mijlocul imaginii. În fiecare persoană poate exista atât Dumnezeu (duplicat umărul drept al Bătrânului), cât și Diavolul (duplicat umarul stang om batran).

A existat o balenă?

Hendrik van Antonissen, Scena de la mal.

Ar părea un peisaj obișnuit. Barci, oameni pe mal și o mare pustie. Și doar un studiu cu raze X a arătat că oamenii s-au adunat pe țărm dintr-un motiv - în original se uitau la carcasa unei balene spălate pe țărm.

Cu toate acestea, artistul a decis că nimeni nu ar vrea să se uite la o balenă moartă și a rescris tabloul.

Două „Mic dejun pe iarbă”

Edouard Manet, „Prânzul pe iarbă”, 1863.

Claude Monet, „Prânzul pe iarbă”, 1865.

Artiștii Edouard Manet și Claude Monet sunt uneori confuzi - la urma urmei, ambii erau francezi, trăiau în același timp și lucrau în stilul impresionismului. Monet a împrumutat chiar titlul uneia dintre cele mai faimoase picturi ale lui Manet, „Luncheon on the Grass” și a scris propriul său „Luncheon on the Grass”.

Se dublează la Cina cea de Taină

Leonardo da Vinci, „Cina cea de taină”, 1495-1498.

Când Leonardo da Vinci a scris „ ultima cina", a atașat el sens special două figuri: Hristos și Iuda. A petrecut foarte mult timp căutând modele pentru ei. În cele din urmă, a reușit să găsească un model pentru imaginea lui Hristos printre tinerii cântăreți. Leonardo nu a putut găsi un model pentru Iuda timp de trei ani. Dar într-o zi a dat de un bețiv pe stradă care zăcea într-un jgheab. Era un tânăr care îmbătrânise din cauza băuturii mari. Leonardo l-a invitat la o tavernă, unde a început imediat să-l picteze pe Iuda din el. Când bețivul și-a venit în fire, i-a spus artistului că a pozat deja pentru el o dată. A fost acum câțiva ani, când a cântat în corul bisericii, Leonardo l-a pictat pe Hristos din el.

„Vizorul de noapte” sau „Vizorul de zi”?

Rembrandt, „Pazul de noapte”, 1642.

Una dintre cele mai faimoase picturi ale lui Rembrandt, „Performanța companiei de pușcași a căpitanului Frans Banning Cock și a locotenentului Willem van Ruytenburg”, a fost atârnată în camere diferite timp de aproximativ două sute de ani și a fost descoperită de istoricii de artă abia în secolul al XIX-lea. Deoarece figurile păreau să apară pe un fundal întunecat, a fost numit „Night Watch” și sub acest nume a intrat în vistieria artei mondiale.

Și abia în timpul restaurării efectuate în 1947 s-a descoperit că în hol pictura reușise să se acopere cu un strat de funingine, care i-a distorsionat culoarea. După ștergerea picturii originale, s-a dezvăluit în cele din urmă că scena reprezentată de Rembrandt are loc de fapt în timpul zilei. Poziția umbrei din mâna stângă a căpitanului Kok arată că durata acțiunii nu este mai mare de 14 ore.

Barcă răsturnată

Henri Matisse, „Barca”, 1937.

Pictura lui Henri Matisse „Barca” a fost expusă la Muzeul de Artă Modernă din New York în 1961. Abia după 47 de zile a observat cineva că tabloul atârna cu capul în jos. Pânza înfățișează 10 linii violet și două pânze albastre pe un fundal alb. Artistul a pictat două pânze dintr-un motiv; a doua vele este o reflectare a primei pe suprafața apei.
Pentru a nu greși cum ar trebui să atârne imaginea, trebuie să acordați atenție detaliilor. Vela mai mare ar trebui să fie partea de sus a picturii, iar vârful pânzei picturii ar trebui să fie în colțul din dreapta sus.

Înșelăciune în autoportret

Vincent van Gogh, „Autoportret cu pipă”, 1889.

Există legende conform cărora Van Gogh și-ar fi tăiat urechea. Acum, cea mai de încredere versiune este că van Gogh și-a deteriorat urechea într-o mică ceartă în care a implicat un alt artist, Paul Gauguin.

Autoportretul este interesant pentru că reflectă realitatea într-o formă distorsionată: artistul este înfățișat cu urechea dreaptă bandajată pentru că a folosit o oglindă când lucra. De fapt, urechea stângă a fost afectată.

Urși străini

Ivan Shishkin, „Dimineața în pădurea de pini”, 1889.

Celebrul tablou îi aparține nu numai lui Shișkin. Mulți artiști care erau prieteni între ei au apelat adesea la „ajutorul unui prieten”, iar Ivan Ivanovici, care a pictat peisaje toată viața, s-a temut că urșii săi atingători nu vor ieși așa cum și-a dorit. Prin urmare, Shishkin a apelat la prietenul său, artistul animal Konstantin Savitsky.

Savitsky a pictat poate cei mai buni urși din istoria picturii ruse, iar Tretiakov a ordonat ca numele său să fie spălat de pe pânză, deoarece totul în imagine „de la concept la execuție, totul vorbește despre modul de pictură, despre metoda creativă. specific lui Shishkin.”

Povestea nevinovată din „Gothic”

Grant Wood, Gotic american, 1930.

Opera lui Grant Wood este considerată una dintre cele mai ciudate și deprimante din istoria picturii americane. Poza cu tatăl și fiica sumbră este plină de detalii care indică severitatea, puritanismul și natura retrogradă a oamenilor reprezentați.
De fapt, artistul nu a intenționat să înfățișeze orori: în timpul unei călătorii în Iowa, a observat o căsuță în stil gotic și a decis să înfățișeze acei oameni care, în opinia sa, ar fi ideali ca locuitori. Sora lui Grant și dentistul său sunt imortalizate, deoarece personajele de care iowanii au fost atât de jigniți.

Răzbunarea lui Salvador Dali

Tabloul „Figură la fereastră” a fost pictat în 1925, când Dali avea 21 de ani. Pe atunci, Gala nu intrase încă în viața artistului, iar muza lui era sora sa Ana Maria. Relația dintre frate și soră s-a deteriorat când a scris într-unul dintre tablouri „uneori scuip pe portretul propriei mele mame, iar asta îmi face plăcere”. Ana Maria nu putea ierta un asemenea comportament șocant.

În cartea sa din 1949, Salvador Dali Through the Eyes of a Sister, ea scrie despre fratele ei fără nicio laudă. Cartea l-a înfuriat pe Salvador. Pentru încă zece ani după aceea, el și-a amintit furios de ea cu fiecare ocazie. Și astfel, în 1954, a apărut tabloul „O tânără fecioară care se complace în păcatul sodomiei cu ajutorul coarnelor propriei castități”. Poza femeii, buclele ei, peisajul din afara ferestrei și schema de culori a picturii ecou în mod clar „Figură la fereastră”. Există o versiune conform căreia Dali s-a răzbunat pe sora lui pentru cartea ei.

Danae cu două fețe

Rembrandt Harmens van Rijn, „Danae”, 1636 - 1647.

Multe secrete ale uneia dintre cele mai faimoase picturi ale lui Rembrandt au fost dezvăluite abia în anii 60 ai secolului XX, când pânza a fost iluminată cu raze X. De exemplu, filmarea a arătat că într-o versiune timpurie chipul prințesei, care a intrat într-o poveste de dragoste cu Zeus, era asemănător cu chipul Saskia, soția pictorului, care a murit în 1642. În versiunea finală a picturii, a început să semene cu chipul lui Gertje Dirks, amanta lui Rembrandt, cu care artistul a trăit după moartea soției sale.

Dormitorul galben al lui Van Gogh

Vincent Van Gogh, „Dormitorul din Arles”, 1888 - 1889.

În mai 1888, Van Gogh a achiziționat un mic studio în Arles, în sudul Franței, unde a fugit de artiștii și criticii parizieni care nu-l înțelegeau. Într-una din cele patru camere, Vincent amenajează un dormitor. În octombrie, totul este gata și el decide să picteze „Dormitorul lui Van Gogh din Arles”. Pentru artist, culoarea și confortul camerei erau foarte importante: totul trebuia să treacă gânduri de relaxare. În același timp, imaginea este concepută în tonuri alarmante de galben.

Cercetătorii lucrării lui Van Gogh explică acest lucru prin faptul că artistul a luat lupă, un remediu pentru epilepsie, care provoacă schimbări serioase în percepția pacientului asupra culorii: întreaga realitate înconjurătoare este pictată în tonuri de verde și galben.

Perfecțiunea fără dinți

Leonardo da Vinci, „Portretul doamnei Lisa del Giocondo”, 1503 - 1519.

Opinia general acceptată este că Mona Lisa este perfecțiunea și zâmbetul ei este frumos cu misterul ei. Cu toate acestea, criticul de artă american (și stomatolog cu jumătate de normă) Joseph Borkowski consideră că, judecând după expresia feței, eroina și-a pierdut mulți dinți. În timp ce studia fotografiile mărite ale capodoperei, Borkowski a descoperit și cicatrici în jurul gurii. „Ea „zâmbește” așa tocmai din cauza a ceea ce i s-a întâmplat”, crede expertul. „Expresia ei facială este tipică persoanelor care și-au pierdut dinții din față.”

Major în controlul feței

Pavel Fedotov, „Matchmaking-ul maiorului”, 1848.

Publicul, care a văzut pentru prima dată tabloul „Matchmaking al maiorului”, a râs din poftă: artistul Fedotov a umplut-o cu detalii ironice care erau de înțeles publicului de atunci. De exemplu, maiorul nu este în mod clar familiarizat cu regulile etichetei nobile: a apărut fără buchetele necesare pentru mireasă și mama ei. Și părinții ei negustori au îmbrăcat-o ea însăși pe mireasă într-o rochie de bal de seară, deși era zi (toate lămpile din cameră erau stinse). Fata a încercat, evident, o rochie decoltată pentru prima dată, este jenată și încearcă să fugă în camera ei.

De ce este Liberty goală?

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, „Libertatea pe baricade”, 1830.

Potrivit criticului de artă Etienne Julie, Delacroix și-a bazat chipul femeii pe faimosul revoluționar parizian - spălătoarea Anne-Charlotte, care a mers la baricade după moartea fratelui ei în mâna soldaților regali și a ucis nouă gardieni. Artista a descris-o cu sânii goi. Conform planului său, acesta este un simbol al neînfricării și abnegației, precum și al triumfului democrației: sânul gol arată că Libertatea, ca om de rând, nu poartă corset.

Pătrat nepătrat

Kazimir Malevich, „Piața Suprematistului Negru”, 1915.

De fapt, „Pătratul Negru” nu este deloc negru și deloc pătrat: niciuna dintre laturile patrulaterului nu este paralelă cu oricare dintre celelalte laturi ale acestuia și nici cu niciuna dintre laturile cadrului pătrat care încadrează imaginea. Iar culoarea închisă este rezultatul amestecării diferitelor culori, printre care nu a existat negru. Se crede că aceasta nu a fost neglijența autorului, ci o poziție de principiu, dorința de a crea o formă dinamică, în mișcare.

Specialiștii de la Galeria Tretiakov au descoperit inscripția autorului pe faimoasa pictură a lui Malevici. Inscripția spune: „Bătălia negrilor în peștera întunecată”. Această frază se referă la titlul picturii pline de umor al jurnalistului, scriitorul și artistul francez Alphonse Allais, „Bătălia negrilor într-o peșteră întunecată în moarta nopții”, care era un dreptunghi complet negru.

Melodrama Mona Lisei austriece

Gustav Klimt, „Portretul Adelei Bloch-Bauer”, 1907.

Una dintre cele mai semnificative picturi ale lui Klimt o înfățișează pe soția magnatului austriac al zahărului Ferdinad Bloch-Bauer. Toată Viena discuta despre dragostea furtunoasă dintre Adele și celebrul artist. Soțul rănit a vrut să se răzbune pe iubiți, dar a ales o metodă foarte neobișnuită: a decis să comande un portret al Adelei de la Klimt și să-l oblige să facă sute de schițe până când artista a început să vomite de la ea.

Bloch-Bauer a vrut ca lucrarea să dureze câțiva ani, astfel încât modelul să poată vedea cum se estompează sentimentele lui Klimt. I-a făcut artistului o ofertă generoasă, pe care nu a putut-o refuza și totul s-a dovedit conform scenariului soțului înșelat: lucrarea a fost finalizată în 4 ani, îndrăgostiții s-au răcorit de mult. Adele Bloch-Bauer nu a știut niciodată că soțul ei era conștient de relația ei cu Klimt.

Pictura care l-a readus la viață pe Gauguin

Paul Gauguin, "De unde venim? Cine suntem? Unde mergem?", 1897-1898.

Cea mai faimoasă pictură a lui Gauguin are o particularitate: este „citită” nu de la stânga la dreapta, ci de la dreapta la stânga, precum textele cabalistice de care artistul era interesat. În această ordine se desfășoară alegoria vieții spirituale și fizice umane: de la nașterea sufletului (un copil adormit în colțul din dreapta jos) până la inevitabilitatea orei morții (o pasăre cu o șopârlă în gheare în colțul din stânga jos).

Tabloul a fost pictat de Gauguin în Tahiti, unde artistul a evadat de mai multe ori din civilizație. Dar de data aceasta viața pe insulă nu a funcționat: sărăcia totală l-a condus la depresie. După ce a terminat pânza, care urma să devină testamentul său spiritual, Gauguin a luat o cutie de arsenic și a plecat în munți să moară. Cu toate acestea, el nu a calculat doza și sinuciderea a eșuat. A doua zi dimineață, s-a legănat spre coliba lui și a adormit, iar când s-a trezit, a simțit o sete de viață uitată. Și în 1898, afacerea sa a început să se îmbunătățească și a început o perioadă mai strălucitoare în munca sa.

112 proverbe într-o singură poză

Pieter Bruegel cel Bătrân, „Proverbe olandeze”, 1559

Pieter Bruegel cel Bătrân a descris un pământ locuit de imagini literale ale proverbelor olandeze din acele vremuri. Pictura conține aproximativ 112 idiomuri recunoscute. Unele dintre ele sunt folosite și astăzi, de exemplu, cum ar fi: „înotați contra curentului”, „loviți cu capul de perete”, „înarmați până în dinți” și „peștii mari mănâncă peștii mici”.

Alte proverbe reflectă prostia umană.

Subiectivitatea art

Paul Gauguin, „Satul breton în zăpadă”, 1894

Pictura lui Gauguin „Satul breton în zăpadă” a fost vândută după moartea autorului cu doar șapte franci și, mai mult, sub numele „Cascada Niagara”. Bărbatul care ținea licitația a atârnat accidental tabloul cu capul în jos pentru că a văzut o cascadă în el.

Poza ascunsa

Pablo Picasso, „Camera albastră”, 1901

În 2008, radiația infraroșie a dezvăluit că ascunsă sub Camera Albastră se afla o altă imagine - portretul unui bărbat îmbrăcat într-un costum cu papion și sprijinindu-și capul pe mână. „De îndată ce Picasso a avut o idee nouă, și-a luat pensula și ia dat viață. Dar nu a avut ocazia să cumpere o pânză nouă de fiecare dată când o muză l-a vizitat”, explică motiv posibil acest critic de artă Patricia Favero.

marocani indisponibili

Zinaida Serebryakova, „God”, 1928

Într-o zi, Zinaida Serebryakova a primit o ofertă tentantă - să plece într-o călătorie creativă pentru a descrie figurile nude ale fecioarelor orientale. Dar s-a dovedit că era pur și simplu imposibil să găsești modele în acele locuri. Traducătorul Zinaidei a venit în ajutor - și-a adus surorile și logodnica la ea. Nimeni înainte sau după nu a reușit să surprindă femei orientale goale care sunt închise.

Perspectivă spontană

Valentin Serov, „Portretul lui Nicolae al II-lea într-o jachetă”, 1900

Multă vreme, Serov nu a putut picta un portret al țarului. Când artistul a renunțat complet, și-a cerut scuze lui Nikolai. Nikolai s-a supărat puțin, s-a așezat la masă, întinzându-și brațele în fața lui... Și apoi i-a dat seama artistului - iată imaginea! Un simplu militar în jachetă de ofițer cu ochi limpezi și triști. Acest portret este considerat cea mai bună reprezentare a ultimului împărat.

Un alt doi

© Fedor Reshetnikov

Celebrul tablou „Deuce Again” este doar a doua parte a unei trilogii artistice.

Prima parte este „Am sosit în vacanță”. Evident, o familie bogată, sărbători de iarnă, un student excelent vesel.

A doua parte este „A deuce again”. O familie săracă din periferia clasei muncitoare, culmea anului școlar, un idiot abătut care a luat din nou o notă proastă. În colțul din stânga sus puteți vedea tabloul „Sosit în vacanță”.

A treia parte este „Reexaminare”. O casă rurală, vară, toată lumea se plimbă, un ignorant rău intenționat, care a picat examenul anual, este nevoit să stea în patru pereți și să se înghesuie. În colțul din stânga sus puteți vedea pictura „Deuce Again”.

Cum se nasc capodoperele

Joseph Turner, Ploaie, abur și viteză, 1844

În 1842, doamna Simon a călătorit cu trenul în Anglia. Deodată a început o ploaie puternică. Domnul în vârstă care stătea vizavi de ea s-a ridicat, a deschis fereastra, a scos capul afară și a privit timp de aproximativ zece minute. Neputându-și stăpâni curiozitatea, femeia a deschis și ea fereastra și a început să privească înainte. Un an mai târziu, ea a descoperit tabloul „Ploaie, abur și viteză” la o expoziție de la Academia Regală de Arte și a putut recunoaște în ea același episod din tren.

Lecție de anatomie de la Michelangelo

Michelangelo, „Crearea lui Adam”, 1511

O pereche de experți americani în neuroanatomie cred că Michelangelo a lăsat de fapt niște ilustrații anatomice într-una dintre cele mai multe ale sale lucrări celebre. Ei cred că partea dreaptă a picturii înfățișează un creier uriaș. În mod surprinzător, puteți găsi chiar și componente complexe, cum ar fi cerebelul, nervii opticiși glanda pituitară. Și panglica verde atrăgătoare se potrivește perfect cu locația arterei vertebrale.

„Cina cea de taină” de Van Gogh

Vincent Van Gogh, Cafeneaua terasa noaptea, 1888

Cercetătorul Jared Baxter consideră că pictura lui Van Gogh „Terasa cafenelei pe timp de noapte” conține o dedicație criptată pentru „Cina cea de taină” a lui Leonardo da Vinci. În centrul imaginii stă un chelner cu par lungși într-o tunică albă care amintește de hainele lui Hristos, iar în jurul lui sunt exact 12 vizitatori de cafenea. Baxter atrage atenția și asupra crucei aflate direct în spatele chelnerului în alb.

Imaginea memoriei lui Dali

Salvador Dali, „Persistența memoriei”, 1931

Nu este un secret pentru nimeni că gândurile care l-au vizitat pe Dali în timpul creării capodoperelor sale au fost întotdeauna sub formă de imagini foarte realiste, pe care artistul le-a transferat apoi pe pânză. Astfel, potrivit autorului însuși, tabloul „Persistența memoriei” a fost pictat ca urmare a asociațiilor care au apărut din vederea brânzei prelucrate.

Despre ce urlă Munch?

Edvard Munch, „Țipătul”, 1893.

Munch a vorbit despre ideea unuia dintre cele mai misterioase picturi din pictura mondială: „Mergeam pe o potecă cu doi prieteni - soarele apunea - deodată cerul a devenit roșu sânge, m-am oprit, simțindu-mă epuizat și m-am sprijinit de gardul - m-am uitat la sânge și flăcări peste fiordul negru-albăstrui și la oraș - prietenii mei au mers mai departe, iar eu am stat tremurând de emoție, simțind țipătul nesfârșit care străpunge natura." Dar ce fel de apus de soare l-ar putea speria atât de mult pe artist?

Există o versiune că ideea „The Scream” i s-a născut lui Munch în 1883, când au avut loc mai multe erupții puternice ale vulcanului Krakatoa - atât de puternice încât au schimbat temperatura atmosferei Pământului cu un grad. Cantități abundente de praf și cenușă s-au răspândit pe tot globul, ajungând chiar și până în Norvegia. Câteva seri la rând, apusurile au părut de parcă urma să vină apocalipsa – unul dintre ele a devenit o sursă de inspirație pentru artistă.

Un scriitor printre oameni

Alexander Ivanov, „Apariția lui Hristos în popor”, 1837-1857.

Zeci de modele au pozat pentru Alexander Ivanov pentru tabloul său principal. Unul dintre ei este cunoscut nu mai puțin decât artistul însuși. Pe fundal, printre călătorii și călăreții romani care nu au auzit încă predica lui Ioan Botezătorul, se vede un personaj în tunică de robă. Ivanov a scris-o de la Nikolai Gogol. Scriitorul a comunicat îndeaproape cu artistul în Italia, în special pe probleme religioase, și i-a oferit sfaturi în timpul procesului de pictură. Gogol credea că Ivanov „a murit de mult pentru întreaga lume, cu excepția muncii sale”.

Guta lui Michelangelo

Raphael Santi, „Școala din Atena”, 1511.

Realizând celebra frescă „Școala din Atena”, Rafael și-a imortalizat prietenii și cunoștințele în imaginile filosofilor antici greci. Unul dintre ei a fost Michelangelo Buonarotti „în rolul” lui Heraclit. Timp de câteva secole, fresca a păstrat secretele vieții personale a lui Michelangelo, iar cercetătorii moderni au sugerat că genunchiul ciudat de unghiular al artistului indică faptul că acesta avea o boală articulară.

Acest lucru este destul de probabil, având în vedere particularitățile stilului de viață și condițiile de muncă ale artiștilor renascentiste și workaholismul cronic al lui Michelangelo.

Oglinda cuplului Arnolfini

Jan van Eyck, „Portretul cuplului Arnolfini”, 1434

În oglinda din spatele cuplului Arnolfini se poate vedea reflexia a încă două persoane din cameră. Cel mai probabil, aceștia sunt martori prezenți la încheierea contractului. Unul dintre ele este van Eyck, dovadă fiind inscripția latină plasată, contrar tradiției, deasupra oglinzii din centrul compoziției: „Jan van Eyck was here”. Așa erau de obicei sigilate contractele.

Cum s-a transformat un dezavantaj într-un talent

Rembrandt Harmens van Rijn, Autoportret la 63 de ani, 1669.

Cercetătoarea Margaret Livingston a studiat toate autoportretele lui Rembrandt și a descoperit că artistul suferea de strabism: în imagini ochii lui privesc în direcții diferite, ceea ce nu se observă în portretele altor oameni de către maestru. Boala a făcut ca artistul să poată percepe realitatea în două dimensiuni mai bine decât oamenii cu vedere normală. Acest fenomen se numește „orbire stereo” – incapacitatea de a vedea lumea în 3D. Dar din moment ce pictorul trebuie să lucreze cu o imagine bidimensională, chiar acest defect al lui Rembrandt ar putea fi una dintre explicațiile talentului său fenomenal.

Venus fără păcat

Sandro Botticelli, „Nașterea lui Venus”, 1482-1486.

Înainte de apariția Nașterii lui Venus, imaginea unui corp feminin gol în pictură simboliza doar ideea păcatului original. Sandro Botticelli a fost primul dintre pictorii europeni care nu a găsit nimic păcătos în el. Mai mult, istoricii de artă sunt siguri că zeița păgână a iubirii simbolizează o imagine creștină în frescă: apariția ei este o alegorie a renașterii unui suflet care a suferit ritul botezului.

Cântător de lăută sau lăută?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, „Jucătorul de lăută”, 1596.

Multă vreme pictura a fost expusă în Schit sub titlul „Jucătorul de lăută”. Abia la începutul secolului al XX-lea istoricii de artă au fost de acord că pictura înfățișează un tânăr (probabil cunoscutul lui Caravaggio, artistul Mario Minniti, a pozat pentru el): pe notele din fața muzicianului se poate vedea o înregistrare a basului. versul madrigalului lui Jacob Arkadelt „Știi că te iubesc” . O femeie cu greu ar putea face o astfel de alegere - este doar greu pentru gât. În plus, lăuta, ca și vioara de la marginea imaginii, era considerată un instrument masculin în epoca lui Caravaggio.

Există opere de artă care par să lovească privitorul peste cap, uimitoare și uimitoare. Alții te atrag în gândire și în căutarea unor straturi de sens și simbolism secret. Unele tablouri sunt învăluite în secrete și mistere mistice, în timp ce altele surprind cu prețuri exorbitante.

Am analizat cu atenție toate realizările majore din pictura mondială și am selectat două duzini dintre cele mai ciudate picturi dintre ele. Salvador Dali, ale cărui lucrări se încadrează complet în formatul acestui material și sunt primele care îi vin în minte, nu au fost incluse intenționat în această colecție.

Este clar că „ciudatatea” este un concept destul de subiectiv și fiecare are propriile picturi uimitoare, care ies în evidență de alte opere de artă. Ne vom bucura dacă le împărtășiți în comentarii și ne spuneți puțin despre ele.

"Ţipăt"

Edvard Munch. 1893, carton, ulei, tempera, pastel.
Galeria Națională, Oslo.

Strigătul este considerat un eveniment expresionist de referință și unul dintre cele mai faimoase picturi din lume.

Există două interpretări ale ceea ce este reprezentat: eroul însuși este cuprins de groază și țipă în tăcere, lipindu-și mâinile de urechi; sau eroul își închide urechile de strigătul lumii și al naturii care răsună în jurul lui. Munch a scris patru versiuni ale „The Scream” și există o versiune conform căreia acest tablou este rodul psihozei maniaco-depresive de care a suferit artistul. După un curs de tratament la clinică, Munch nu s-a întors să lucreze pe pânză.

„Mă plimbam pe potecă cu doi prieteni. Soarele apunea - deodată cerul s-a înroșit sângele, m-am oprit, simțindu-mă epuizat, și m-am rezemat de gard - m-am uitat la sângele și flăcările peste fiordul și orașul albăstrui-negru. Prietenii mei au mers mai departe, iar eu am stat, tremurând de emoție, simțind un țipăt nesfârșit care străpunge natura”, a spus Edvard Munch despre istoria creației picturii.

„De unde am venit? Cine suntem noi? Unde mergem?"

Paul Gauguin. 1897-1898, ulei pe pânză.
Muzeul de Arte Frumoase, Boston.

Potrivit lui Gauguin însuși, pictura trebuie citită de la dreapta la stânga - trei grupuri principale de figuri ilustrează întrebările puse în titlu.

Trei femei cu un copil reprezintă începutul vieții; grupa mijlocie simbolizează existența cotidiană a maturității; în grupa finală, conform planului artistului, „bătrâna, apropiindu-se de moarte, pare împăcată și predată gândurilor ei”, la picioarele ei „o pasăre albă ciudată... reprezintă inutilitatea cuvintelor”.

Tabloul profund filozofic al postimpresionistului Paul Gauguin a fost pictat de acesta la Tahiti, unde a fugit din Paris. La terminarea lucrării, a vrut chiar să se sinucidă: „Cred că această pictură este superioară tuturor celor anterioare și că nu voi crea niciodată ceva mai bun sau chiar asemănător”. A mai trăit cinci ani și așa s-a întâmplat.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, ulei pe pânză.
Muzeul Reina Sofia, Madrid.

Guernica prezintă scene de moarte, violență, brutalitate, suferință și neputință, fără a preciza cauzele lor imediate, dar sunt evidente. Se spune că în 1940, Pablo Picasso a fost chemat la Gestapo din Paris. Conversația s-a îndreptat imediat către tablou. "Ai facut asta?" - „Nu, ai făcut-o.”

Uriașa pictură în frescă „Guernica”, pictată de Picasso în 1937, spune povestea unui raid al unei unități de voluntari Luftwaffe asupra orașului Guernica, în urma căruia orașul cu șase mii de oameni a fost complet distrus. Tabloul a fost pictat literalmente într-o lună - în primele zile de lucru la pictură, Picasso a lucrat timp de 10-12 ore și deja în primele schițe se putea vedea ideea principală. Aceasta este una dintre cele mai bune ilustrații ale coșmarului fascismului, precum și ale cruzimii și durerii umane.

„Portretul cuplului Arnolfini”

Jan van Eyck. 1434, lemn, ulei.
Galeria Națională din Londra, Londra.

Celebrul tablou este complet plin de simboluri, alegorii și diverse referințe - până la semnătura „Jan van Eyck a fost aici”, care a transformat pictura nu doar într-o operă de artă, ci într-un document istoric care confirmă realitatea evenimentului. la care artistul a fost prezent.

Portretul, presupus al lui Giovanni di Nicolao Arnolfini și al soției sale, este una dintre cele mai complexe lucrări ale școlii occidentale de pictură a Renașterii de Nord.

În Rusia, în ultimii ani, pictura a câștigat o mare popularitate datorită asemănării portretului lui Arnolfini cu Vladimir Putin.

„Demon așezat”

Mihail Vrubel. 1890, ulei pe pânză.
Galeria de Stat Tretiakov, Moscova.

„Mâinile îi rezistă”

Bill Stoneham. 1972.

Această lucrare, desigur, nu poate fi clasată printre capodoperele picturii mondiale, dar faptul că este ciudată este un fapt.

Există legende care înconjoară tabloul cu un băiat, o păpușă și mâinile apăsate de sticlă. De la „oamenii mor din cauza acestei imagini” la „copiii din ea sunt în viață”. Poza arată într-adevăr înfiorător, ceea ce dă naștere la o mulțime de temeri și speculații în rândul oamenilor cu psihic slab.

Artistul a insistat că pictura s-a înfățișat pe sine la vârsta de cinci ani, că ușa reprezenta linia de despărțire dintre lumea reală și lumea viselor, iar păpușa era un ghid care l-ar putea ghida pe băiat prin această lume. Mâinile reprezintă vieți sau posibilități alternative.

Pictura a câștigat notorietate în februarie 2000, când a fost scoasă la vânzare pe eBay, cu o poveste de fundal care spunea că pictura era „bântuită”. „Hands Resist Him” a fost cumpărat cu 1.025 de dolari de Kim Smith, care a fost apoi inundat de scrisori cu povești înfiorătoare și solicitări de a arde tabloul.