Lucrările timpurii ale lui Schoenberg. Lista principalelor lucrări ale lui Schoenberg. Dodecafonie de Arnold Schoenberg

(.1874 - .1951) Austria

Compozitor, dirijor, muzicolog și pictor austriac, apoi american.

Articol: scurtă biografie
Data publicării: 00.00.0000

Arnold Schoenberg s-a născut la 13 septembrie 1874 în cartierul Leopoldstadt din Viena (fostul ghetou evreiesc) într-o familie de evrei. Mama lui Paulina, originară din Praga, a fost profesoară de pian. Părintele Samuil, originar din Bratislava, era proprietarul unui magazin. Arnold a fost în mare parte un muzician autodidact, luând doar lecții de contrapunct de la Alexander von Zemlinsky, primul său cumnat. În vârstă de douăzeci de ani, Schoenberg și-a câștigat o viață orchestrând operete, lucrând în același timp la propriile sale compoziții în tradiția muzicii germane de la sfârșitul secolului al XIX-lea, dintre care cel mai faimos a fost sextetul de coarde „Noapte iluminată” op. . 4 (1899).

A dezvoltat aceleași tradiții în poezia „Pelléas et Mélisande” (1902–1903), cantata „Cântecele lui Gurre” (1900–1911) și „Primul cvartet de coarde” (1905). Numele lui Schoenberg începe să câștige faimă. El este recunoscut de muzicieni proeminenți precum Gustav Mahler și Richard Strauss. În 1904 a început predarea privată de armonie, contrapunct și compoziție. Următoarea etapă importantă în muzica lui Schoenberg a fost Prima sa simfonie de cameră (1906).

În vara anului 1908, soția lui Schoenberg, Matilda, l-a părăsit, după ce s-a îndrăgostit de artistul Richard Gerstl. Câteva luni mai târziu, când s-a întors la soțul și copiii ei, Gerstl s-a sinucis. Acest timp a coincis pentru Schoenberg cu o revizuire a esteticii sale muzicale și o schimbare radicală a stilului. El a creat primele sale lucrări atonale, romantismul „Te-ai rezemat la salcia de argint” („Du lehnest wider eine Silberweide”) și cea mai revoluționară dintre lucrările sale timpurii, „Second String Quartet”, op.10 (1907–1908), unde in final adauga o voce de soprana punand in muzica poeziile lui Stefan Gheorghe. În „Five Pieces for Orchestra” op.15 (1909), el a folosit pentru prima dată noua sa invenție - metoda melodiei colorate cu timbru (Klangfarbenmelodie).

În vara anului 1910 a scris prima sa lucrare teoretică importantă, „Doctrina armoniei” („Harmonielehre”). Apoi creează ciclul vocal-instrumental „Pierrot Lunaire”, op. 21 (1912) la poeziile lui Albert Giraud, folosind metoda Sprechstimme pe care a inventat-o ​​- recitarea vocală, ceva între citit și cântat.

La începutul anilor 1920, el a inventat o nouă „metodă de compunere cu 12 tonuri înrudite”, cunoscută în mod obișnuit ca „dodecafonie” sau „serialism”, încercând-o mai întâi în „Serenade” op.24 (1920–1923). Această metodă s-a dovedit a fi cea mai influentă pentru muzica clasică europeană și americană a secolului al XX-lea.

Până în 1925, Schoenberg a trăit în principal la Viena. În 1925 a devenit profesor de compoziție la Berlin la Academia de Arte din Prusia. În 1933, Schoenberg a emigrat în Statele Unite, unde a predat mai întâi la Conservatorul Malkin din Boston, din 1935 la Universitatea din California de Sud și din 1936 la Universitatea din California din Los Angeles.

Una dintre cele mai semnificative realizări ale lui Schoenberg a fost opera sa neterminată bazată pe povestea biblică „Moise și Aaron”, începută la începutul anilor '30. Toată muzica operei se bazează pe o serie de 12 note. Rolul principal al lui Moise este interpretat de cititor în maniera Sprechgesang, rolul lui Aaron este atribuit tenorului.

De-a lungul vieții, Schoenberg a fost activ ca profesor și a pregătit o întreagă galaxie de compozitori. Cei mai proeminenti dintre ei sunt Anton Webern, Alban Berg, Ernst Kshenek, Hans Eisler, Roberto Gerhard. Schoenberg a creat și a condus o întreagă școală de compozitori cunoscută sub numele de „noua școală vieneză”. Hauer și-a scris lucrările timpurii sub influența muzicii atonale a lui Schoenberg. În 1935, deja în California, John Cage a devenit studentul său particular. În paralel cu predarea, compunerea muzicii, organizarea și interpretarea în concerte ca dirijor, Schoenberg a fost și autorul multor cărți, manuale, studii teoretice și articole. Printre altele, a pictat tablouri care s-au remarcat prin originalitate și imaginație arzătoare.

Schoenberg a avut întotdeauna o teamă superstițioasă de numărul 13. Și, din păcate, s-a întâmplat ceea ce îi era atât de frică. A murit la 13 iulie 1951 (19-5-1=13) la vârsta de 76 de ani (7+6=13), cu treisprezece minute înainte de miezul nopții: (11:47; 1+1+4+7)

; principalul reprezentant și fondator al uneia dintre direcțiile muzicii moderne „serioase”, caracterizată prin complexitatea limbajului și a sunetului disonant - este cunoscut sub numele de muzică „atonal” sau „12 tonuri” (termenii „dodecafonie” iar „tehnica în serie” sunt de asemenea folosite). Schoenberg s-a născut la 13 septembrie 1874 la Viena. Până în 1925 a locuit în principal la Viena. În 1925 a devenit profesor de compoziție la Academia Prusac de Arte din Berlin și a lucrat acolo până în 1933. După ce a părăsit Germania, s-a mutat în SUA, unde a predat mai întâi la Conservatorul Malkin din Boston, din 1935 la University of Southern. California, din 1936 la Universitatea din California din Los Angeles -Angeles. Schoenberg a murit la Brentwood (California) la 13 iulie 1951.

Schoenberg a fost un profesor minunat, care a contribuit la răspândirea pe scară largă a ideilor sale; a creat o întreagă școală de compozitori (așa-numita nouă școală vieneză), care a unit muzicieni remarcabili precum A. von Webern, A. Berg, E. Kshenek, E. Welles și G. Eisler. Celebrul manual despre armonie publicat de Schoenberg în 1911 ( Harmonielehre), a făcut o impresie și mai puternică pentru că a prezentat învățătura tradițională a armoniei din punctul de vedere nu al unui profesor de școală, ci al unui compozitor modern activ.
Vezi si ARMONIE.

Originile muzicii lui Schoenberg se află în arta romantică târzie a lui R. Wagner, A. Bruckner, R. Strauss și G. Mahler. Astfel de influențe sunt atât de evidente încât criticii trec adesea cu vederea alte trei calități importante ale stilului lui Schoenberg, care sunt antitetice tradiției romantice. În primul rând, romanticii târzii și-au dezvoltat gândurile muzicale într-o țesătură armonică densă și bogată, în timp ce Schoenberg, cu excepția câtorva lucrări timpurii (de exemplu, Cântecele lui Gurre, Gurrelieder, pentru soliști, trei coruri și orchestră, 1910–1911), a preferat o prezentare laconică a ideii, fără repetiții inutile și o textură clară, audibilă. În al doilea rând, Schoenberg avea un mod pozitiv de a gândi și, prin urmare, chiar și operele sale cele mai romantice (cum ar fi sextetul timpuriu Noapte luminată, Verklärte Nacht, op. 4) se disting prin dezvoltarea logică și claritatea structurală. În al treilea rând, tehnica polifonică a lui Schoenberg se caracterizează prin încredere și virtuozitate, ceea ce îl apropie nu de romanticii amintiți mai sus, ci mai degrabă de J. Brahms.

Deși întregul drum al compozitorului reprezintă o mișcare consistentă în direcția aleasă, se obișnuiește să se distingă trei perioade (sau stiluri) ale lui Schoenberg. Lucrările primei perioade (op. 1–10, 12–14) demonstrează o complicare treptată a limbajului, o creștere a disonanței, dar conțin totuși tonalitate tradițională și, într-o anumită măsură, armonie funcțională tradițională. Începând cu piesele pentru pian op. 11, scris ulterior op. 14, compozitorul a căutat să evite secvențele diatonice și a folosit toate cele douăsprezece tonuri ale scării cromatice ca egale, i.e. nu face pe niciunul dintre ele centrul tonal. A treia perioadă începe cu op. 23: atracția compozitorului pentru o organizare clară a materialului muzical aduce la viață o metodă mai universală și mai rigidă decât mijloacele pe care le-a folosit anterior. Metoda constă în organizarea celor douăsprezece tonuri care alcătuiesc o octavă într-o secvență melodică, în care fiecare ton este folosit nu mai mult de o dată. Această secvență se numește „rând” sau „serie”. Pentru fiecare compoziție, se alege de obicei un „rând”, acesta poate fi dezvoltat folosind diverse tipuri de mișcări (transpoziții) și variații, dar întreaga compoziție este în mod necesar construită pe baza unui „rând” dat.

Rămâne să enumeram lucrările fundamental importante ale lui Schoenberg, pe lângă cele menționate mai sus - un poem simfonic pentru orchestră Pelleas și Melisande (Pelleas und Melisande), op. 5; Simfonia de cameră (Kammersymphonie) op. 9; Cincisprezece poezii din Cartea grădinilor suspendate a lui Stefan Gheorghe (Fünfzehn Gedichte aus Stefan George "Das Buch der hängenden Gärten"), op. 15; opera într-un act mână norocoasă (Die glückliche Hand), op. 18; Șase piese mici pentru pian (Sechs kleine Klavierstücke), op. 19; Pierrot lunar (Pierrot Lunaire) – douăzeci și unu de poezii pentru cititor și opt instrumente, op. 21; Cinci piese pentru pian (Fünf Klavierstücke), op. 23; Suită cu pian, op. 25; Cvintet pentru suflat și corn, op. 26; variații pentru orchestră, op. 31; Acompaniament muzical pentru o scenă de film (Begleitungsmusik zu einer Lichtspielszene), op. 34; op. 34; Oda lui Napoleon (Oda lui Napoleon Buonaparte) pentru cititor, cvartet de coarde și pian, op. 41; concert pentru pian și orchestră, op. 42; patru cvartete de coarde, op. 7, 10, 30, 37.

Fondatorul Noii Școli din Viena, Arnold Schoenberg, a întruchipat pe deplin și în mod consecvent principiile estetice ale expresionismului muzical în opera sa. Acesta este unul dintre acei compozitori al căror nume este indisolubil legat de ideea specificului limbajului muzical al secolului XX, a diferențelor sale fundamentale față de limbajul muzical din toate epocile anterioare.

În același timp, opera lui Schoenberg, spre deosebire de munca altor compozitori care au determinat evoluția muzicii din secolul XX, nu a câștigat încă recunoașterea universală și continuă să fie un fenomen controversat. Au fost oferite diverse explicații pentru aceasta, dar un lucru este cert: însăși logica evoluției creative a lui Schoenberg a condus la limbajul muzical care a devenit de la sfârșitul anilor 900. Acest limbaj, printre altele, se distinge printr-o concentrare specială de „informații” muzicale, subliniată prin evitarea momentelor de inerție, care nu pot decât să-și limiteze capacitățile comunicative - atât în ​​ceea ce privește percepția ascultătorului, cât și în ceea ce privește implementarea performanței, care este asociate de obicei cu dificultăți semnificative. În general, evoluția limbajului muzical al lui Schoenberg ne permite să conturăm trei perioade în opera sa: tonal (din 1897), atonal sau perioada atonalității libere (din 1909) și dodecafonică (din 1923).

Primii ani. Perioada tonală a creativității

Schoenberg s-a născut la 13 septembrie 1874 la Viena într-o familie săracă de negustori și și-a pierdut tatăl la vârsta de opt ani. Situația financiară a familiei s-a dovedit a fi dificilă, așa că Arnold nu a putut să primească nici o educație generală sistematică, nici o educație muzicală. A fost autodidact, cu excepția lecțiilor de contrapunct de scurtă durată cu celebrul dirijor și compozitor Alexander Tsemlinsky, care a apreciat imediat talentul remarcabil al tânărului muzician. Practic, Schoenberg însuși a trebuit să stăpânească elementele de bază ale artei muzicale și, în același timp, să câștige existența dintr-o muncă care nu prezintă niciun interes pentru o persoană talentată creativ (serviciu într-o bancă etc.).

Prima lucrare care a atras atenția pe scară largă asupra numelui lui Schoenberg ca compozitor a fost sextetul de coarde „ Noapte luminată", op. 4 (1899) *,

Programul pentru care a fost poemul cu același nume al poetului german Richard Demel *.

Sextetul dezvăluie cu ușurință influențele lui Wagner și Liszt, Mahler și Richard Strauss, Ceaikovski; acele elemente de stil care aveau să determine ulterior chipul creator al lui Schoenberg însuși sunt încă complet invizibile. Cu toate acestea, nu ar trebui să se grăbească în acuzații de eclectism și lipsă de independență. De fapt, ne confruntăm cu un fenomen unic: în limbajul muzical al sextetului, se realizează uimitor o sinteză organică a marilor stiluri romantice din a doua jumătate a secolului al XIX-lea - opera nu se transformă deloc într-un divertisment de diferite stiluri de compozitor. Mai mult, în „Noapte iluminată” Schoenberg apare deja pe deplin înarmat cu măiestrie. Lucrarea se remarcă prin perfecțiunea formei, spiritualitatea romantică, combinată cu profunzimea psihologică, demonstrează o extraordinară generozitate a imaginației: într-o desfășurare melodică nesfârșită, trec o succesiune de teme lirice și declamative, una mai bună decât alta. Este semnificativ faptul că marele dirijor german Wilhelm Furtwängler, care a pus sub semnul întrebării semnificația talentului lui Schoenberg și în anii 20 nu a dat dovadă de mult zel în promovarea operelor sale simfonice (spre nemulțumirea autorului lor), doar „Noapte iluminată” nu a negat geniul . Până în prezent rămâne una dintre cele mai des interpretate lucrări ale lui Schoenberg.

„The Enlightened Night” a sunat un minunat „acord final” al muzicii germane a secolului al XIX-lea (în 1899!). În operele lui Schoenberg imediat după Op. 4, trăsăturile expresioniste sunt clar vizibile, tensiunea limbajului muzical crește brusc, ceea ce reflectă atmosfera de dinaintea furtunii din anii premergătoare primului război mondial.

Deja în țesutul muzical al poemului simfonic „Pelléas et Mélisande” după Maeterlinck (op. 5, 1903), Primul Cvartet de coarde, d-moll (op. 7, 1905), Simfonia I de cameră pentru cincisprezece instrumente (op. 9, 1906) *

și mai ales al doilea cvartet de coarde, fis-moll (op. 10, 1908) *,

* În ultimele două mișcări ale cvartetului se aude o voce feminină ca solist (texte de Stefan Gheorghe).

Se vede, și cu atât mai departe, cu atât mai mult, o dorință constantă de a evita manifestările de inerție și locurile comune, ceea ce duce la o compactare semnificativă a timpului muzical și la o intensitate extremă a expresiei. Factorii tradiționali de stabilizare ai structurii muzicale sunt din ce în ce mai înlocuiți: regularitatea pulsației metrice și stabilitatea cunoscută a elementelor de ritm, o distribuție clară a țesăturii muzicale în planuri texturate și periodicitatea măsurată a modificărilor tipurilor de textură și timbre, caracterul dominant al structuri sintactice, secvențialitate, distribuție a materialului muzical după una sau alta schemă compozițională clasică, repetări exacte. A dispărut și mișcarea figurativă neindividualizată (așa-numitele forme generale ale sunetului), care, printre clasicii trecutului, punea în relief relieful tematic atât pe verticală, cât și pe orizontală. Dar ceea ce este și mai important este că în toate aceste lucrări procesul de descentralizare a sistemului clasic mod-tonal, început în muzica romantică a secolului al XIX-lea, se accelerează brusc. O slăbire vizibilă a înclinațiilor modal-funcționale care reglează desfășurarea orizontalei melodice și schimbarea verticalei armonice perturbă din ce în ce mai mult inerția în țesătura pitch.

Indicativ în acest sens este tema secundară și tratarea ei în prima mișcare a Cvartetului II de coarde. Melodia temei, care sună pe acordul funcției dominante în tonul B-dur, conține un sunet disonant aruncat care este complet inconsecvent cu logica gândirii modale clasice. h- intonația melodică aici este eliberată de controlul armoniei și al gravitației modale care acționează prin ea. Ca rezultat, melodia este transformată dintr-o secvență de grade conjugate ale modului într-o secvență de intervale conjugate. Modelul său este perceput nu numai în totalitate, ci în mare măsură și diferențiat: atenția auditivă este fixată la fiecare interval:

Aceleași trăsături apar în timpul dezvoltării unei teme secundare: la întoarcere, intonația ei se schimbă mult mai intens decât se observă de obicei la clasici sau romantici. Acest lucru subliniază semnificația expresivă a fiecărei celule melodice cele mai mici, a fiecărui interval:

Dorința compozitorului de a evita o serie de calități ale structurii muzicale, care anterior păreau de la sine înțeles (de la claritatea pulsației metrice la funcționalitatea modală), a fost conștientă, printre oamenii săi care aveau o idee similară, era asociată cu o nouă estetică muzicală; „estetica evitării” („Aesthetik des Vermeidens”). Pe baza acestuia, Schoenberg a individualizat multe dintre conexiunile funcționale ale structurii muzicale, privând astfel dezvoltarea acesteia de momente de predictibilitate, deoarece conexiunile individualizate se dovedesc a fi acoperite, controlează în mod ascuns dezvoltarea și nu creează gravitație evidentă.

„Estetica evitării” a urmat direct din liniile generale ideologice și estetice ale artei expresioniste, care afirmau dreptul artistului la o viziune subiectivă asupra lumii, până la deformarea realității. Toate acestea au dus ulterior la o ruptură cu un public larg, la izolarea elitistă a muzicii expresioniste. Și Schoenberg era pe deplin conștient de acest lucru. În colecția de articole pe care a compilat-o spre sfârșitul vieții sale, „Stil și idee”, unde părerile sale estetice sunt exprimate cu strălucire literară, el, în articolul „Muzică nouă, muzică învechită, stil și idee”, apără cu siguranță „ artă de dragul artei”: „Nici un artist... nu se va umili pentru a se adapta la sloganul „artă pentru toată lumea”, pentru că dacă este artă, atunci nu este pentru toată lumea, iar dacă este pentru toată lumea. , atunci nu este artă.” Adevărat, elitismul esteticii lui Schoenberg nu înseamnă deloc o negare a rolului social al creativității muzicale. Articolul „Inima și creierul în muzică” din aceeași colecție vorbește despre dorința de creativitate, menită să „spună ceva important pentru umanitate”, despre muzică ca „mesaj profetic” care le arată oamenilor calea către forme superioare de viață.

Într-un fel sau altul, predominarea tendințelor centrifuge în formă muzicală a creat pericolul prăbușirii acesteia. Pentru a evita relaxarea, Schoenberg a căutat aceeași unitate tematică de textură și dezvoltare care a fost observată în cele mai bune lucrări ale lui Brahms și Beethoven. Aceasta a fost o abatere binecunoscută de la principiile „esteticii evitării”, deoarece unitatea conținutului tematic este unul dintre factorii inerției structurii muzicale. Dar cu astfel de mijloace era încă imposibil să se compenseze pe deplin pierderile suferite de forma muzicală.

În general, chiar și Simfonia I de Cameră și Cvartetul II de coarde, ultimele lucrări ale perioadei tonale, rămân încă în concordanță cu stilul romantic târziu. Cu toate acestea, limbajul lor muzical, menținând în același timp o conexiune cu limbajul „Nopții iluminate”, se distinge prin profunzime psihologică și mai mare, claritate și tensiune, iar individualitatea compozitorului apare mult mai clar în el.

Printre lucrările perioadei tonale, cantata „ Cântecele lui Gurre„(fără opus) la textul poetului danez Jens Peter Jacobsen în traducerea germană de R. F. Arnold. A fost scrisă în principal în 1900, dar Schoenberg a finalizat orchestrația abia în 1911, după ce a creat primele lucrări bazate pe principii estetice și tehnice complet diferite. Premiera „Cântecelor lui Gurre”, ținută la Viena la 23 februarie 1913, dirijată de Franz Schrecker, un prieten al lui Schoenberg, s-a dovedit a fi triumfătoare. Dar autorul cantatei nu a acordat aproape deloc atenție ceea ce s-a dovedit mai târziu a fi cel mai mare succes al vieții sale de compozitor și nici măcar nu a vrut să iasă în fața publicului care aplauda tare. Cu mare greutate l-au silit să apară pe scenă, unde el, încă neobservând publicul, a mulțumit doar interpreților. Motivul pentru aceasta, a recunoscut el, a fost încrederea că oamenii care i-au făcut ovație nu îl vor urma pe calea inovației îndrăznețe care deja începuse. Ceea ce a fost aprobat de ascultătorii entuziaști a fost deja o pagină întorsă pentru însuși Schoenberg.

Poemul lui Jacobsen, care servește drept bază pentru Cântecele lui Gurre, spune povestea dragostei tragice a regelui danez Valdemar pentru frumoasa fată Tova, care a fost ucisă la ordinul soției sale, regina geloasă Hedwig. Astfel, opera lui Schoenberg dezvoltă din nou motivul romantic tradițional al iubirii și morții.

Cantata se remarcă prin măreția designului său general și, în același timp, prin finisarea în filigran a fiecărui detaliu. Monumentalitatea în ea este combinată organic cu sofisticarea extremă, care este caracteristică multor capodopere ale muzicii romantice târzii. Lucrarea impresionează prin generozitatea neobișnuită a imaginației compozitorului, bogăția texturii și profunzimea psihologică a armoniei. Folosește toate forțele interpretative imaginabile: o orchestră uriașă, trei coruri masculine și una mixtă, cinci cântăreți solo și un recitator - Povestitorul.

Numai dificultățile enorme asociate cu aparatul de interpretare complex, care transformă fiecare interpretare a cantatei într-un eveniment din viața muzicală, nu îi permit să egaleze popularitatea „Nopții iluminate”. Limbajul ei muzical este lipsit de inovație, începând cu Pelléas et Mélisande. Ca și în op. 4, aici se simte un spectru de influențe, sintetizate într-un stil individual, care, însă, este departe de stilul care va reprezenta ulterior cele mai fundamentale realizări creative ale compozitorului. Cu toate acestea, dacă Songs of Gurre ar fi putut închide evoluția creativă a lui Schoenberg, el ar fi intrat în continuare în istoria muzicii. În acest scop, ar fi suficiente lucrările pe care le-a creat deja, accesibile unui public destul de larg și la cel mai înalt nivel de pricepere și inspirație. Este chiar posibil ca în acest caz reputația sa de compozitor să fie mult mai mare astăzi - cel puțin în ochii multor iubitori de muzică care nu înțeleg limbajul lucrărilor sale ulterioare. Și totuși, lui Schoenberg nu i-a fost frică să oprească drumul care ducea la succes, care a fost binemeritat și de durată. Numai aceasta ar trebui să întărească încrederea în căutările sale ulterioare.

Până în anii 1900, compozitorul câștigase o reputație destul de mare în cercurile muzicale din Viena și Berlin. Premierele operelor sale, deși de obicei însoțite de scandaluri, au avut un succes răsunător în rândul unei anumite părți a publicului. Schoenberg a apreciat foarte mult participarea prietenoasă a lui Mahler, deși nu a aprobat totul din lucrările sale.

În acest moment, a început cariera didactică a lui Schoenberg: a adunat un grup mare de tineri compozitori iscoditori în căutarea unor noi căi în muzică. Printre aceștia se numără Alban Berg și Anton Webern, care au fost foarte influențați de profesorul lor. Mai târziu, ambii au fost destinați să intre în istoria muzicii alături de el - în calitate de membri ai triadei de compozitori novo-vieze (se înțelege că prima triadă a fost Haydn, Mozart și Beethoven). În predare, Schoenberg nu s-a limitat la studiul muzicii noi (mai degrabă, chiar a evitat-o, crezând că „nu poate preda libertatea”), ci a cerut tinerilor o cunoaștere aprofundată a clasicilor, capacitatea de a înțelege în mod competent stilurile. și tehnici de compoziție ale marii muzici din trecut. Mulți studenți în memoriile lor au remarcat o impresie puternică din analizele sale magnifice ale operelor lui Bach, Mozart, Beethoven, Schubert, Brahms, bazate pe cea mai profundă înțelegere a intenției autorului și a mijloacelor de implementare a acesteia. Apropo, „Doctrina armoniei” (1911) a lui Schoenberg este dedicată în principal acordurilor și metodelor de împerechere a acestora în cadrul sistemului clasic de armonie, cu care propria sa practică creativă era deja puțin legată. Astfel, la Schoenberg vedem un exemplu nu atât de obișnuit de compozitor obsedat de creativitate, capabil în același timp să fie profund interesat de muzica „extraterestră”, și nu doar cea aparținând unuia sau mai multor idoli, ci muzica într-un volum enciclopedic. . Mai târziu, cunoștințele sale excelente despre clasici s-au reflectat chiar și în lucrările sale, care au rupt brusc litera tradiției.

Arnold Schoenberg, a cărui operă poate fi descrisă pe scurt ca fiind inovatoare, a trăit o viață interesantă și a intrat în istoria muzicii mondiale ca un revoluționar care a făcut o revoluție în compoziție, și-a creat propria școală de muzică, a lăsat o moștenire interesantă și o galaxie de studenți. . Arnold Schoenberg este unul dintre compozitorii remarcabili ai secolului al XX-lea.

Copilăria și familia

La 13 septembrie 1874 s-a născut la Viena Arnold Schoenberg, a cărui biografie va fi dificilă, dar mereu legată de muzică. Familia Schoenberg locuia într-un ghetou evreiesc. Tatăl - Samuel Schoenberg - era din Presburg și avea propriul său magazin mic de pantofi. Mama - Paulina Nachod - originară din Praga, a fost profesoară de pian. Arnold a avut o copilărie obișnuită, nimic nu a prefigurat marele său viitor.

Găsirea unei chemări

De la o vârstă fragedă, mama lui Arnold a început să-l învețe muzica; Dar familia nu avea mijloacele necesare pentru a-și continua educația. El a înțeles în mod independent știința compoziției. A primit câteva lecții de contrapunct de către cumnatul său, celebrul compozitor și dirijor austriac cu care s-a căsătorit sora lui Schoenberg, Matilda, Alexander von Zemlinsky. Muzicienii au devenit foarte prietenoși, au rămas oameni cu gânduri asemănătoare toată viața și adesea s-au ajutat reciproc cu sfaturi și s-au certat despre artă. Tsemlinsky a fost cel care a recomandat cu fermitate colegului său să devină un compozitor de muzică profesionist. Viitorul compozitor Arnold Schoenberg, aflat deja în adolescență, și-a simțit cu ardoare chemarea și, deși circumstanțele nu erau în favoarea lui, și-a dedicat tot timpul liber muzicii.

Începutul unei călătorii profesionale

Familia nu trăia bine, iar când tatăl său a murit, Arnold avea 15 ani la acea vreme, lucrurile au devenit foarte dificile. Tânărul trebuia să preia orice slujbă. Arnold Schoenberg a lucrat ca funcționar de bancă, livrător, a condus corurile muncitorilor și a scris orchestrații pentru operete. Dar nu a renunțat la studiile muzicale în timpul liber și-a scris propriile lucrări. Deja în 1898, lucrările lui Schoenberg au fost interpretate pentru prima dată pe scenă la Viena. În 1901, a plecat la Berlin, unde a câștigat bani dând lecții de muzică, a predat chiar și un curs de compoziție la Conservatorul Stern;

În acest moment l-a întâlnit pe Gustav Mahler, care a avut o influență semnificativă asupra viziunii despre lume a lui Schoenberg. În 1903 s-a întors la Viena și a început să lucreze la o școală de muzică. În același timp, a reușit să scrie muzică, în această perioadă ea fiind păstrată în tradițiile școlii germane de compoziție de la sfârșitul secolului al XIX-lea. Cele mai semnificative lucrări ale acestei etape au fost: sextetul de coarde „Noapte luminată”, poemul „Pelléas și Mélisande” (1902-1903), cantata „Cântecele lui Gurre” (1900-1911). Arnold Schoenberg s-a remarcat prin marea sa capacitate de muncă, deja la începutul carierei, a predat, a scris muzică și a susținut concerte.

Biografie și muzică

În opera compozitorului Schoenberg se disting trei perioade: tonală (din 1898 până în 1908), atonală (1909-1922) și dodecafonică (din 1923). Evoluția unui muzician este legată de căutarea lui pentru o nouă cale și o nouă expresivitate. Soarta lui a fost legată mai întâi de expresionismul, pe baza căruia și-a făcut ulterior descoperirile revoluționare. Până în 1907, Schoenberg s-a mutat în direcția tradițională a muzicii clasice. Dar anul acesta are loc o schimbare radicală în viziunea sa artistică asupra lumii, se gândește mult la muzică și scrie lucrări teoretice. Limbajul lui muzical devine din ce în ce mai complex, dorința de disonanță crește, dar deocamdată se păstrează armonia tradițională.

Și în 1909 a început o nouă rundă a vieții sale. În 1911, Arnold Schoenberg, a cărui biografie câștiga amploare în lumea muzicală, a călătorit din nou la Berlin, unde a făcut un turneu ca dirijor timp de 4 ani. În acel moment era deja un muzician destul de cunoscut în Europa. În 1915, compozitorul a fost înrolat în armată pentru doi ani. Această perioadă atonală se caracterizează printr-o respingere a centrului tonal al operei Schoenberg încearcă să aplice în mod egal cele 12 tonuri ale scării cromatice. În 1923, a primit titlul de profesor de muzică și o invitație de a lucra la Școala de Muzică din Berlin. Odată cu venirea naziștilor la putere în 1933, Schoenberg a fost dat afară din conservator, iar el, temându-se de continuarea persecuției ca reprezentant al națiunii evreiești, a emigrat. Mai întâi pleacă în Franța, iar mai târziu în SUA.

A treia perioadă a operei compozitorului este marcată de principalele sale descoperiri. Începe să graviteze spre o organizare rațională a seriei muzicale compozițiile sunt construite din douăsprezece tonuri care nu se repetă în aceeași serie. Așa apare muzica dodecafonică. Opera lui Schoengberg a reflectat pe deplin o epocă plină de schimbări, precum și experiențele sale subiective și emoționale.

Teoria muzicii

Compozitorul a încercat întotdeauna să controleze formele și mijloacele expresive ale muzicii sale, care de cele mai multe ori veneau inconștient. Prin urmare, toate experiențele și reflecțiile sale de hotar au fost conturate în lucrări științifice serioase. În 1911, Arnold Schoenberg a scris prima sa lucrare teoretică majoră, „Doctrina armoniei”. Deja în ea și-a conturat ideile despre armonia tonală, care au fost esențiale pentru el toată viața. Această carte a devenit singura lucrare complet finalizată a compozitorului. Mai târziu, a început să scrie mai multe lucrări în același timp, corectând și adăugându-le în mod constant, acestea nu au fost publicate în timpul vieții sale.

Abia în 1994 au fost publicate lucrările, combinate într-un singur volum - „Interrelație, contrapunct, instrumentare, doctrina formei”. Aceste reflecții asupra logicii și gândirii muzicale, asupra orchestrației, asupra exercițiilor pregătitoare de contrapunct și asupra compoziției nu au fost finalizate de autor, ci arată direcția în care s-au derulat cercetările sale. „Fundamentele compoziției muzicale” a fost publicată deja la sfârșitul secolului al XX-lea de către studenții de la master. Arnold Schoenberg a adus o contribuție semnificativă la teoria muzicii, a putut să vadă evoluția gândirii muzicale și să anticipeze dezvoltarea acesteia în anii următori. În scrierile sale, Schoenberg reflectă asupra integrității lucrării, asupra dezvoltării gândirii muzicale și ajunge la ideea de monotonie.

Activitatea pedagogică

Compozitorul a predat de-a lungul vieții – mai întâi la școală, apoi la conservatorul din Berlin. În exil, a lucrat la universități din Boston, California de Sud și Los Angeles, predând teoria muzicii și compoziție. Arnold Schoenberg a creat o întreagă școală de compoziție, care a fost numită „Noua școală vieneză”. El a crescut studenții în spiritul de a sluji muzica, nu i-a sfătuit categoric să-i urmeze exemplul, ci să-și caute doar propriul drum în artă. A. Berg și A. Webern sunt considerați cei mai buni studenți ai săi, care au rămas fideli ideilor sale până la sfârșitul zilelor și au crescut pentru a fi compozitori independenți demni de profesorul lor. Schoenberg a predat toate disciplinele muzicale, acordând o atenție deosebită polifoniei, pe care o considera baza măiestriei. Compozitorul a continuat să comunice îndeaproape cu studenții săi chiar și după absolvirea acestora, el a fost o autoritate incontestabilă pentru ei. Acesta este ceea ce i-a permis să formeze o întreagă galaxie de oameni cu gânduri asemănătoare.

Dodecafonie de Arnold Schoenberg

Arnold Schoenberg, a cărui scurtă biografie poate fi descrisă într-un singur cuvânt „dodecafonie”, a devenit un ideolog și promotor al unei noi direcții în muzică. În căutarea celei mai economice scrieri muzicale, compozitorul a venit cu ideea unui sistem de compoziție în 12 tonuri. Această descoperire îl obligă pe compozitor să învețe din nou cum să compună muzică, el experimentează mult cu forma, căutând noi posibilități pentru metoda sa de frecvență sonoră.

El testează bazele noii tehnici pe piese pentru pian, despre care scrie mult. Mai târziu a trecut la crearea unor lucrări mari (suite, cvartete, orchestre) într-un stil nou. Descoperirile sale au influențat radical dezvoltarea muzicii în secolul al XX-lea. Ideile sale, pe care nu le-a dezvoltat pe deplin, au fost preluate de adepții săi, dezvoltate, aduse la perfecțiune și uneori până la epuizare. Contribuția sa la muzică s-a manifestat în dorința sa de a eficientiza forma muzicală.

Lucrări majore

Arnold Schoenberg a lăsat o uriașă moștenire muzicală. Dar cea mai importantă opera sa este opera neterminată „Moise și Aaron”, ideea căreia a apărut în anii 20 ai secolului XX și a întruchipat întreaga evoluție și căutare a compozitorului. În operă, Schoenberg a întruchipat întreaga sa viziune filozofică asupra lumii, întregul său suflet. Printre lucrările semnificative ale compozitorului se numără: „Simfonia de cameră”, op. 9, opera „Mâna fericită”, 5 piese pentru pian, op. 23, „Oda lui Napoleon”.

Viata personala

Arnold Schoenberg, a cărui fotografie poate fi văzută astăzi în toate manualele despre istoria muzicii, a trăit o viață bogată. Pe lângă muzică, a pictat mult, lucrările sale au fost expuse în marile galerii din Europa. Era prieten cu Kokoschka, Kandinsky și a fost membru al Academiei de Arte din Prusia. De-a lungul vieții a scris aproximativ 300 de lucrări.

Arnold Schoenberg s-a căsătorit pentru prima dată destul de devreme, pentru aceasta s-a convertit la protestantism în 1898. Soția lui l-a înșelat, a mers să-și vadă iubitul, dar apoi s-a întors în familie, iar iubitul ei s-a sinucis. Soția sa Matilda a murit în 1923, punând capăt unei perioade tulburi din viața personală a compozitorului. Un an mai târziu, s-a căsătorit cu sora violonistului și a trăit fericit cu ea pentru tot restul vieții. În 1933, el decide să se întoarcă la iudaism și este supus ceremoniei corespunzătoare într-o sinagogă din Paris.

Temerile lui Arnold Schoenberg

Compozitorul se distingea prin inteligență ridicată și abilități matematice, dar nici principiul irațional nu i-a fost străin. Toată viața a fost bântuit de temeri și presimțiri ciudate. De ce i-a fost frică compozitorului Arnold Schoenberg? Avea o fobie rară - era îngrozit de numărul 13. S-a născut pe acest număr, iar toată viața a evitat casele și camerele de hotel cu acest număr. Deci, de ce i-a fost frică în cele din urmă lui Arnold Schoenberg? Numere? Nu, desigur, îi era frică de moarte. Era sigur că va muri pe 13, că numărul 76 - în total 13 - îi va aduce moartea. Pe tot parcursul anului în care a împlinit 76 de ani, a trăit în tensiune, până când într-o zi s-a culcat cu încrederea că astăzi va veni moartea pentru el. A stat în pat toată ziua, așteptând ultima oră. Până la căderea nopții, soția lui nu a suportat asta și l-a forțat să nu mai facă prostii și să se ridice din pat. Dar cu 13 minute înainte de miezul nopții a spus cuvântul „armonie” și a părăsit această lume. Astfel, pe 13 iulie 1951, lumea a pierdut

SCHONBERG Arnold (Schönberg, Arnold; 1874, Viena, - 1951, Los Angeles), compozitor, teoretician al muzicii, profesor și pictor, unul dintre fondatorii expresionismului și autorul sistemului dodecafon în muzică, șeful așa-numitului Nou Scoala vieneza. Născut în familia unui om de afaceri sărac. În copilărie, a învățat să cânte la vioară și violoncel, a cântat în orchestre de amatori și a compus piese muzicale, fără să cunoască inițial elementele de bază ale compoziției; Abia la vârsta de 16 ani Schoenberg a început să studieze sistematic muzica. În 1891 a absolvit un adevărat gimnaziu și a plecat să lucreze la o bancă privată, dar după câțiva ani a părăsit banca și s-a dedicat în întregime muzicii. Profesorul său a fost compozitorul și dirijorul A. von Zemlinsky, care a dat lecții de polifonie lui Schoenberg. În 1895–99 a condus un cor muncitoresc în suburbiile Vienei.

În 1898, Schoenberg s-a convertit la creștinism (la una dintre confesiunile protestante), iar în 1901 s-a căsătorit cu sora profesorului său, Mathilde von Zemlinskaya. În 1901–1903 a locuit la Berlin, a dirijat o orchestră într-un cabaret de scriitori și a dat lecții private. Din 1903 a predat la una dintre școlile de muzică vieneză. În 1911, Schoenberg l-a întâlnit pe V. Kandinsky, care a avut o mare influență asupra viziunii artistice asupra lumii a ambilor. Schoenberg era cunoscut și ca artist: în 1911, și-a arătat pentru prima dată lucrările la expoziția grupului de artiști „The Blue Rider” din Berlin și a expus la Viena și în alte orașe, uneori împreună cu Kandinsky. Ca dirijor, Schoenberg a susținut concerte la Berlin, Viena, Amsterdam, Londra, Sankt Petersburg) și multe alte orașe, dar nu a avut niciodată un venit permanent (chiar o scrisoare de la Schoenberg către G. Mahler, datând din 1910, cu un solicitarea de asistență financiară). În timpul primului război mondial a servit în armata austriacă. În 1925, la inițiativa lui L. Kestenberg, este invitat în funcția de profesor la Academia Prusac de Arte din Berlin, de unde a fost concediat în 1933 odată cu venirea naziștilor la putere. A emigrat în Franța.

În 1933, Schoenberg a fost supus unui ritual de întoarcere la iudaism într-o sinagogă din Paris. La scurt timp, Schoenberg s-a mutat în SUA, unde a locuit inițial la Boston (a predat la un conservator privat) și la New York. A ținut prelegeri în Chicago și în alte orașe. Din 1934 a fost profesor la Universitatea din California. În 1940, Schoenberg a luat cetățenia americană.

Primele lucrări ale lui Schoenberg au fost scrise sub influența lui V. R. Wagner, parțial de J. Brahms: sextetul „Noapte iluminată” după R. Demel (1899), poemul simfonic „Pelleas și Mélisande” după M. Maeterlinck (1902–1903), cantata „Songs” Gurre” după cuvinte de J. Jacobsen (1900–11), First String Quartet (1905). Trăsături ale expresionismului apar în Simfonia de cameră (1906), Cvartetul al doilea de coarde (1907–1908), 15 cântece bazate pe poezii de S. George (1908–1909), în monodrama „Așteptând” după M. Pappenheim (1909) , și opera „Mână fericită”” la propriul libret (1913).

Un moment de cotitură în opera lui Schoenberg a fost ciclul de recitări melodice „Pierrot Lunaire” bazat pe poezii ale poetului belgian A. Giraud (1912) pentru o voce feminină și ansamblu instrumental, în care așa-numita melodie de vorbire (cântarea vorbirii) era folosit pentru prima dată și care a fost un exemplu complet de artă muzicală expresionistă. În această lucrare, compozitorul căuta noi principii de construcție muzicală.

Schoenberg a fost creatorul unui nou sistem de compoziție în 12 pași, numit de Schoenberg „dodecafonic”, a cărui esență este aceea că cele 12 sunete ale seriei cromatice utilizate de compozitor - „serie” (sau părți ale unei „serie”) - sunt unități egale, spre deosebire de sistemul clasic cu gradele sale principale (stabile) și subordonate ale scalei. Ca urmare, dispar tonalitățile modale (în special, majore și minore) și conexiunile modale dintre sunete, conceptele de acorduri consoane și disonante și alte combinații de sunete sunt șterse. Muzica compusă folosind tehnica dodecafonului este atonală. Prima lucrare a lui Schoenberg construită în întregime pe principiile dodecafoniei a fost suita cu pian (1921–23).

Schoenberg a servit drept unul dintre prototipurile compozitorului Adrian Leverkühn în romanul lui T. Mann „Doctor Faustus”, în numele căruia autorul a conturat în detaliu teoria dodecafoniei. Între Mann și Schoenberg a apărut o controversă cu privire la utilizarea teoriei sale (Schoenberg deține cuvintele: „Viitorul va arăta cine a fost contemporan al cui!”). La cererea lui Schoenberg, toate edițiile romanului au fost însoțite de o explicație a lui T. Mann: „... în general, secțiunile teoretice muzicale ale acestei cărți își datorează multe detalii învățăturii lui Schoenberg despre armonie”.

Schoenberg era convins că crearea sistemului de compoziție dodecafonic nu a fost rezultatul unui act arbitrar, ci o etapă condiționată istoric și necesară în dezvoltarea artei muzicale, dar nu a considerat sistemul său universal.

Schoenberg și învățătura sa au fost supuse unor atacuri aprige, inclusiv din poziții politice. Naziștii au declarat arta lui Schoenberg și a adepților săi „degenerată” și au interzis-o. (Un critic nazist a scris: „Schoenberg folosește vechea, binecunoscuta tactică evreiască, menită să distrugă fundamentele culturale ale națiunii în care ei [evreii] s-au infiltrat și să-și stabilească propriile valori culturale - evreiești.")

Textele, poveștile, imaginile Bibliei și alte teme evreiești tradiționale și contemporane au fost o componentă esențială a lucrării lui Schoenberg. Tema relațiilor cu Dumnezeu și cu poporul a fost deja auzită într-o lucrare timpurie - „Simfonia psalmilor” (1912–14, neterminată). Referitor la oratoriul „Scara lui Iacov” (1917–22, neterminat), Schoenberg scria: „Omul modern, trecând prin materialism, socialism și anarhie, ... în ciuda ateismului său, păstrează încă în sine câteva firimituri din vechea credință. Se luptă cu Dumnezeu... și în cele din urmă Îl găsește pe Dumnezeu și devine religios. Învață să te rogi!...” Schoenberg a compus nu numai muzica, ci și textul oratoriului. În mai 1930, Schoenberg a început să lucreze la opera Moise și Aaron, care nu a fost niciodată finalizată. Libretul pentru operă a fost scris chiar de compozitor, chiar el a creat coregrafia în scena „Dansul în jurul vițelului de aur”. Rolul lui Moise este interpretat de cititor în modul cântării vorbirii, rolul lui Aaron este atribuit cântărețului (tenorului). Astfel, Moise este pus în contrast cu fratele său ca principiu (gând) rațional cu unul irațional. Corul și orchestra joacă un rol important în crearea unei drame intense (compoziția sa triplă este completată de un ansamblu pe scenă). Opera „Moise și Aaron” este una dintre cele mai semnificative realizări creative ale lui Schoenberg.

Apelul tău la „Învață să te rogi!” Schoenberg a întruchipat-o în „Kol Nidre” pentru cititor, cor și orchestră (1938; lucrarea se bazează pe melodia lui Kol Nidre, acceptată în Ashkenazi / vezi Ashkenazi / comunități); lucrarea a fost interpretată pentru prima dată în Los Angeles.

În 1941, Schoenberg a primit vestea despre moartea fratelui său, care a rămas în Austria, iar în 1942, „Oda lui Napoleon” a fost scrisă după cuvintele lui J. G. Byron, în care dezvăluie răul, violența și uciderea unor nevinovați. oamenii evocă asocieri evidente cu Holocaustul și evenimentele celui de-al Doilea Război Mondial; Pamfletul lui Byron, scris în 1814, sună în această interpretare ca o lucrare anti-nazist relevantă.

Textul cantatei „Un supraviețuitor din Varșovia” (1947; pentru cititor, cor și orchestră), scris de însuși compozitor, reproduce povestea unuia dintre puținii participanți supraviețuitori în ghetoul din Varșovia (vezi Varșovia). Cuvintele Shema sunt țesute în țesătura lucrării. Lucrarea este extrem de concisă - doar șase minute și jumătate; tehnicile expresioniste ale vorbirii muzicale sunt ascuțite în el la limită. Alte lucrări ale lui Schoenberg pe teme evreiești sunt „Modern Psalm” (neterminat), „From the Depths” (1950; despre Psalmul 130 pentru cor), corul „Three Thousand Years” (1950; versuri de D. Runes) etc.

De-a lungul multor ani (1926–51), Schoenberg a scris drama „Calea biblică” despre întoarcerea evreilor în patria lor istorică și viitorul statului evreu reînviat. Schoenberg nu era străin de obiectivele sioniste (vezi sionismul). În 1923, el a scris: „Am fost forțat să înțeleg și să-mi amintesc pentru totdeauna că nu sunt german, nu european, dar sunt evreu”. A arătat interes, în special, pentru conceptul lui V. Zhabotinsky și lucrările sale. Articole publicate de orientare sionistă: „Israeliți și evrei” (1923), „Despre sionism” (1924), „Chestiunea evreiască” (1933), „Note despre politica față de evrei” (1933), „Program pentru evrei din patru paragrafe” (începutul anilor 1940) și altele. Schoenberg a salutat nașterea Statului Israel și a promovat crearea unui centru de formare la Ierusalim, cu care, conform planului său, urmau să colaboreze mari personalități muzicale evreiești.

Schoenberg este fondatorul și șeful așa-numitei noi școli vieneze, care a apărut ca o colaborare creativă a compozitorului și a elevilor săi - A. Berg și A. Webern; Școala a determinat calea dezvoltării artei muzicale moderne. Schoenberg a fost unul dintre cei mai mari profesori de muzică ai secolului al XX-lea, printre elevii săi, pe lângă Berg și Webern, s-au numărat E. Welles (1885–1974), H. Eisler (1898–1962), R. Comyn (1896–1978). ), R. Serkin și alții. Mulți dintre cei mai mari compozitori ai secolului al XX-lea. - B. Bartok, I. Stravinsky, S. Prokofiev, D. Șostakovici, P. Hindemith - au fost influențați de muzica și învățăturile lui Schoenberg și au folosit tehnica compoziției dodecafonice.

Printre lucrările teoretice ale lui Schoenberg se numără „Doctrina armoniei” (1911), „Un manual pentru compozitorii începători” (1943), „Stil și idee” (1950), „Funcțiile structurale ale armoniei” (1954), „Fundamentele compoziției” (1967) și altele. Schoenberg și-a lăsat moștenire biblioteca și manuscrisele Bibliotecii Naționale și Universitare Evreiești din Ierusalim. Cu puțin timp înainte de moartea lui Schoenberg, Academia de Muzică din Israel l-a ales președinte de onoare.