I primi lavori di Schoenberg. Elenco delle principali opere di Schönberg. Dodecafonia di Arnold Schönberg

(.1874 - .1951) Austria

Compositore, direttore d'orchestra, musicologo e pittore austriaco e poi americano.

Articolo: breve biografia
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Arnold Schönberg nacque il 13 settembre 1874 nel quartiere Leopoldstadt di Vienna (l'ex ghetto ebraico) da una famiglia ebrea. Sua madre Paulina, originaria di Praga, era un'insegnante di pianoforte. Padre Samuil, originario di Bratislava, era proprietario di un negozio. Arnold era in gran parte un musicista autodidatta, prendendo solo lezioni di contrappunto da Alexander von Zemlinsky, il suo primo cognato. All'età di vent'anni Schönberg si guadagnava da vivere orchestrando operette e contemporaneamente lavorava alle proprie composizioni nella tradizione della musica tedesca della fine del XIX secolo, la più famosa delle quali era il sestetto d'archi "Notte illuminata" op. . 4 (1899).

Ha sviluppato le stesse tradizioni nel poema "Pelléas et Mélisande" (1902-1903), nella cantata "Songs of Gurre" (1900-1911) e "The First String Quartet" (1905). Il nome di Schoenberg comincia a guadagnare fama. È riconosciuto da musicisti di spicco come Gustav Mahler e Richard Strauss. Nel 1904 iniziò l'insegnamento privato di armonia, contrappunto e composizione. La tappa successiva importante nella musica di Schönberg fu la sua Prima Sinfonia da camera (1906).

Nell'estate del 1908, la moglie di Schönberg, Matilda, lo lasciò, innamorandosi dell'artista Richard Gerstl. Diversi mesi dopo, quando tornò dal marito e dai figli, Gerstl si suicidò. Questa volta coincise per Schoenberg con una revisione della sua estetica musicale e un cambiamento radicale di stile. Creò le sue prime opere atonali, la storia d'amore “Ti appoggiasti al salice d'argento” (“Du lehnest wide eine Silberweide”) e la più rivoluzionaria delle sue prime opere, “Secondo quartetto d'archi”, op.10 (1907–1908), dove nel finale aggiunge una voce di soprano, mettendo in musica le poesie di Stefan Gheorghe. In “Cinque pezzi per orchestra” op.15 (1909), utilizzò per la prima volta la sua nuova invenzione: il metodo della melodia timbrica (Klangfarbenmelodie).

Nell'estate del 1910 scrisse la sua prima importante opera teorica, “La dottrina dell'armonia” (“Harmonielehre”). Realizza poi il ciclo vocale-strumentale “Pierrot Lunaire”, op. 21 (1912) alle poesie di Albert Giraud, utilizzando il metodo Sprechstimme da lui inventato: la recitazione vocale, qualcosa tra la lettura e il canto.

All'inizio degli anni '20 inventò un nuovo "metodo di composizione con 12 toni correlati", comunemente noto come "dodecafonia" o "serialismo", provandolo per la prima volta nella sua "Serenata" op.24 (1920-1923). Questo metodo si è rivelato il più influente per la musica classica europea e americana del 20° secolo.

Fino al 1925 Schönberg visse principalmente a Vienna. Nel 1925 divenne professore di composizione a Berlino presso l'Accademia delle arti prussiana. Nel 1933 Schoenberg emigrò negli Stati Uniti, dove insegnò prima al Malkin Conservatory di Boston, dal 1935 all'University of Southern California e dal 1936 all'Università della California a Los Angeles.

Uno dei risultati più significativi di Schoenberg è stata la sua opera incompiuta basata sulla storia biblica "Mosè e Aronne", iniziata all'inizio degli anni '30. Tutta la musica dell'opera è basata su una serie di 12 note. Il ruolo principale di Mosè è interpretato dal lettore alla maniera Sprechgesang, il ruolo di Aronne è assegnato al tenore.

Per tutta la sua vita Schönberg fu attivo come insegnante e formò un'intera galassia di compositori. I più importanti sono Anton Webern, Alban Berg, Ernst Kshenek, Hans Eisler, Roberto Gerhard. Schönberg creò e diresse un'intera scuola di compositori conosciuta come la “nuova scuola viennese”. Hauer scrisse i suoi primi lavori sotto l'influenza della musica atonale di Schönberg. Nel 1935, già in California, John Cage divenne il suo allievo privato. Parallelamente all'insegnamento, alla composizione musicale, all'organizzazione e all'esecuzione di concerti come direttore d'orchestra, Schönberg è stato anche autore di numerosi libri, libri di testo, studi teorici e articoli. Tra le altre cose, dipinse dipinti che si distinguevano per la loro originalità e ardente immaginazione.

Schönberg ha sempre avuto una paura superstiziosa del numero 13. E sfortunatamente è successo ciò di cui aveva tanta paura. Morì il 13 luglio 1951 (19-5-1=13) all'età di 76 anni (7+6=13), tredici minuti prima di mezzanotte: (11:47; 1+1+4+7)

; il principale rappresentante e fondatore di una delle direzioni della moderna musica "seria", caratterizzata dalla complessità del linguaggio e del suono dissonante - è conosciuta con i nomi di musica "atonale" o "dodecafonica" (i termini "dodecafonia" e vengono utilizzate anche la “tecnica seriale”). Schoenberg è nato il 13 settembre 1874 a Vienna. Fino al 1925 visse principalmente a Vienna. Nel 1925 divenne professore di composizione all'Accademia prussiana delle arti di Berlino e lavorò lì fino al 1933. Dopo aver lasciato la Germania, si trasferì negli Stati Uniti, dove insegnò prima al Conservatorio Malkin di Boston, dal 1935 alla University of Southern California, dal 1936 presso l'Università della California a Los Angeles-Angeles. Schönberg morì a Brentwood (California) il 13 luglio 1951.

Schoenberg fu un insegnante meraviglioso, che contribuì alla diffusione capillare delle sue idee; creò un'intera scuola di compositori (la cosiddetta nuova scuola viennese), che unì musicisti eccezionali come A. von Webern, A. Berg, E. Kshenek, E. Welles e G. Eisler. Famoso libro di testo sull'armonia pubblicato da Schönberg nel 1911 ( Harmonielehre), fece un'impressione ancora più forte perché presentò l'insegnamento tradizionale dell'armonia dal punto di vista non di un insegnante di scuola, ma di un compositore moderno attivo.
Guarda anche ARMONIA.

Le origini della musica di Schönberg risalgono all'arte tardo romantica di R. Wagner, A. Bruckner, R. Strauss e G. Mahler. Tali influenze sono così evidenti che i critici spesso trascurano altre tre importanti qualità dello stile di Schönberg che sono antitetiche alla tradizione romantica. In primo luogo, i tardo romantici svilupparono il loro pensiero musicale in un tessuto armonico denso e ricco, mentre Schönberg, ad eccezione di alcune opere giovanili (ad esempio, Canti di Gurre, Gurrelieder, per solisti, tre cori e orchestra, 1910–1911), preferì una presentazione laconica dell'idea, senza ripetizioni inutili, e una trama chiara e udibile. In secondo luogo, Schönberg aveva un modo di pensare positivo, e quindi anche le sue opere più romantiche (come il primo sestetto Notte illuminata, Verklärte Nacht, operazione. 4) si distinguono per sviluppo logico e chiarezza strutturale. In terzo luogo, la tecnica polifonica di Schönberg è caratterizzata da sicurezza e virtuosismo, che lo avvicinano non ai romantici sopra menzionati, ma piuttosto a J. Brahms.

Sebbene l’intero percorso del compositore rappresenti un movimento coerente nella direzione prescelta, è consuetudine distinguere tre periodi (o stili) di Schönberg. Le opere del primo periodo (op. 1–10, 12–14) mostrano una graduale complicazione del linguaggio, un aumento della dissonanza, ma contengono ancora la tonalità tradizionale e, in una certa misura, l'armonia funzionale tradizionale. A partire dai brani per pianoforte op. 11, scritto più tardi op. 14, il compositore cercò di evitare sequenze diatoniche e utilizzò tutti i dodici toni della scala cromatica alla pari, cioè non rende nessuno dei due il centro tonale. Il terzo periodo inizia con l'op. 23: l’attrazione del compositore per una chiara organizzazione della materia musicale dà vita a un metodo più universale e rigido rispetto ai mezzi utilizzati in precedenza. Il metodo consiste nell'organizzare i dodici toni che compongono un'ottava in una sequenza melodica, dove ogni tono viene utilizzato non più di una volta. Tale sequenza è chiamata “riga” o “serie”. Per ogni composizione viene solitamente scelta una “riga”; essa può essere sviluppata utilizzando vari tipi di movimenti (trasposizioni) e variazioni, ma l'intera composizione è necessariamente costruita sulla base di una determinata “riga”.

Resta da elencare le opere di fondamentale importanza di Schoenberg, oltre a quelle sopra menzionate: un poema sinfonico per orchestra Pelleas e Mélisande (Pelleas e Mélisande), operazione. 5; Sinfonia da camera (Kammersymphonie) operazione. 9; Quindici poesie dal Libro dei giardini pensili di Stefan Gheorghe (Fünfzehn Gedichte aus Stefan George "s "Das Buch der hängenden Gärten"), operazione. 15; opera in un atto mano fortunata (La mano felice), operazione. 18; Sei piccoli pezzi per pianoforte (Sechs kleine Klavierstücke), operazione. 19; Pierrot lunare (Pierrot Lunaire) – ventuno poesie per un lettore e otto strumenti, op. 21; Cinque pezzi per pianoforte (Fünf Klavierstücke), operazione. 23; Suite per pianoforte, operazione. 25; Quintetto per fiati e corni, op. 26; variazioni per orchestra, op. 31; Accompagnamento musicale per la scena del film (Musica di sottofondo per un gioco di luci), operazione. 34; operazione. 34; Inno a Napoleone (Inno a Napoleone Buonaparte) per lettore, quartetto d'archi e pianoforte, op. 41; concerto per pianoforte e orchestra, op. 42; quattro quartetti d'archi, op. 7, 10, 30, 37.

Il fondatore della Nuova Scuola di Vienna, Arnold Schoenberg, incarnò in modo più completo e coerente i principi estetici dell'espressionismo musicale nel suo lavoro. Questo è uno di quei compositori il cui nome è indissolubilmente legato all'idea delle specificità del linguaggio musicale del 20 ° secolo, delle sue differenze fondamentali rispetto al linguaggio musicale di tutte le epoche precedenti.

Allo stesso tempo, il lavoro di Schoenberg, a differenza del lavoro di altri compositori che hanno determinato l'evoluzione della musica del 20 ° secolo, non ha ancora ottenuto un riconoscimento universale e continua ancora ad essere un fenomeno controverso. A questo sono state offerte diverse spiegazioni, ma una cosa è certa: la logica stessa dell’evoluzione creativa di Schönberg ha portato al linguaggio musicale che è diventato a partire dalla fine del 900. Questo linguaggio, tra l'altro, si distingue per una particolare concentrazione di “informazioni” musicali, enfatizzata dall'evitamento di momenti d'inerzia, che non possono che limitarne le capacità comunicative - sia in termini di percezione dell'ascoltatore, sia in termini di attuazione esecutiva, che è solitamente associato a notevoli difficoltà. In generale, l’evoluzione del linguaggio musicale di Schönberg ci permette di delineare tre periodi nella sua opera: tonale (dal 1897), atonale, ovvero il periodo dell’atonalità libera (dal 1909), e dodecafonico (dal 1923).

Nei primi anni. Periodo tonale della creatività

Schönberg nacque il 13 settembre 1874 a Vienna da una povera famiglia di mercanti e perse il padre all'età di otto anni. La situazione finanziaria della famiglia si rivelò difficile, quindi Arnold non fu in grado di ricevere né un'educazione generale né musicale sistematica. Era un autodidatta, ad eccezione di lezioni di contrappunto a breve termine con il famoso direttore d'orchestra e compositore Alexander Tsemlinsky, che apprezzò immediatamente lo straordinario talento del giovane musicista. Fondamentalmente, lo stesso Schoenberg doveva padroneggiare le basi dell'arte musicale e allo stesso tempo guadagnarsi da vivere con un lavoro che non interessava a una persona dotata di creatività (servizio in banca, ecc.).

La prima opera che attirò l'attenzione diffusa sul nome di Schönberg come compositore fu il sestetto d'archi “ Notte illuminata", operazione. 4 (1899) *,

Il programma era la poesia omonima del poeta tedesco Richard Demel *.

Il sestetto rivela facilmente le influenze di Wagner e Liszt, Mahler e Richard Strauss, Čajkovskij; quegli elementi di stile che avrebbero poi determinato il volto creativo dello stesso Schönberg sono ancora del tutto invisibili. Tuttavia, non bisogna affrettarsi ad accusare di eclettismo e mancanza di indipendenza. Abbiamo infatti davanti a noi un fenomeno unico: nel linguaggio musicale del sestetto è stata sorprendentemente raggiunta una sintesi organica dei grandi stili romantici della seconda metà dell'Ottocento - l'opera non si trasforma affatto in un divertissement di diversi stili compositivi. Inoltre, in “La notte illuminata” Schönberg appare già armato di maestria. L'opera si distingue per la perfezione della forma, la spiritualità romantica, unita alla profondità psicologica, dimostra una straordinaria generosità di immaginazione: in uno sviluppo melodico senza fine, passano una successione di temi lirici e declamatori, uno migliore dell'altro. È significativo che il grande direttore d'orchestra tedesco Wilhelm Furtwängler, che metteva in dubbio l'importanza del talento di Schönberg e negli anni '20 non mostrò molto zelo nel promuovere le sue opere sinfoniche (con dispiacere del loro autore), solo “Enlightened Night” non negò il genio . Ancora oggi rimane una delle opere di Schönberg più eseguite.

"The Enlightened Night" suonava un meraviglioso "accordo finale" della musica tedesca del XIX secolo (nel 1899!). Nelle opere di Schönberg immediatamente successive all'op. 4, i tratti espressionisti sono chiaramente visibili, la tensione del linguaggio musicale aumenta bruscamente, che riflette l'atmosfera pre-tempesta degli anni precedenti la prima guerra mondiale.

Già nel tessuto musicale del poema sinfonico “Pelléas et Mélisande” da Maeterlinck (op. 5, 1903), del Primo Quartetto d'archi in re moll (op. 7, 1905), della Prima Sinfonia da camera per quindici strumenti (op. 9, 1906) *

e soprattutto il Secondo Quartetto per archi, fis-moll (op. 10, 1908) *,

* Negli ultimi due movimenti del quartetto si sente una voce femminile come solista (testi di Stefan Gheorghe).

Si nota, e sempre più, un costante desiderio di evitare manifestazioni di inerzia e luoghi comuni, che porta ad una significativa compattazione del tempo musicale e ad un'estrema intensità espressiva. I tradizionali fattori stabilizzanti della struttura musicale vengono sempre più sostituiti: la regolarità della pulsazione metrica e la nota stabilità degli elementi ritmici, la chiara distribuzione del tessuto musicale in piani strutturati e la periodicità misurata nei cambiamenti dei tipi di struttura e dei timbri, la perpendicolarità prevalente della struttura musicale strutture sintattiche, sequenzialità, distribuzione del materiale musicale secondo l'uno o l'altro schema compositivo classico, riprese esatte. È scomparso anche il movimento figurativo non individualizzato (le cosiddette forme generali del suono), che tra i classici del passato metteva in risalto il rilievo tematico sia verticalmente che orizzontalmente. Ma ciò che è ancora più importante è che in tutte queste opere il processo di decentralizzazione del sistema modo-tonale classico, iniziato nella musica romantica del XIX secolo, accelera bruscamente. Un notevole indebolimento delle inclinazioni modali-funzionali che regolano lo spiegamento dell'orizzontale melodica e il cambiamento della verticale armonica sconvolgono sempre più l'inerzia del tessuto tonale.

Indicativo a questo proposito è il tema secondario e la sua trattazione nel primo movimento del Secondo Quartetto d'archi. La melodia del tema, che suona sull'accordo della funzione dominante nella tonalità di B-dur, contiene un suono dissonante lanciato che è completamente incoerente con la logica del pensiero modale classico H- l'intonazione melodica qui è libera dal controllo dell'armonia e della gravità modale che agisce attraverso di essa. Di conseguenza, la melodia viene trasformata da una sequenza di gradi coniugati del modo in una sequenza di intervalli coniugati. Il suo schema è percepito non solo in modo totale, ma in larga misura e differenziato: l'attenzione uditiva è fissa ad ogni intervallo:

Le stesse caratteristiche compaiono durante lo sviluppo di un tema secondario: al ritorno, la sua intonazione cambia molto più intensamente di quanto si osservi solitamente nei classici o nei romantici. Ciò enfatizza il significato espressivo di ogni più piccola cellula melodica, di ogni intervallo:

Il desiderio del compositore di evitare una serie di qualità della struttura musicale, che prima sembravano scontate (dalla chiarezza della pulsazione metrica alla funzionalità modale), era consapevole tra le persone che la pensavano allo stesso modo era associato a una nuova estetica musicale -; “estetica dell’evitamento” (“Aesthetik des Vermeidens” ). Sulla base di ciò, Schoenberg ha individuato molte delle connessioni funzionali della struttura musicale, privando così il suo sviluppo di momenti di prevedibilità, poiché le connessioni individualizzate risultano velate, controllano segretamente lo sviluppo e non creano gravità evidente.

L’“estetica dell’evitamento” deriva direttamente dalle linee guida ideologiche ed estetiche generali dell’arte espressionista, che affermavano il diritto dell’artista a una visione soggettiva del mondo, fino al punto di deformare la realtà. Tutto ciò portò in seguito alla rottura con un vasto pubblico, all'isolamento elitario della musica espressionista. E Schoenberg ne era pienamente consapevole. Nella raccolta di articoli che compilò verso la fine della sua vita, "Stile e idea", dove le sue opinioni estetiche sono espresse con brillantezza letteraria, egli, nell'articolo "Nuova musica, musica obsoleta, stile e idea", difende decisamente " arte per l'arte”: “Nessuno l'artista... non si umilierà per adattarsi allo slogan “arte per tutti”, perché se è arte, allora non è per tutti, e se è per tutti , allora non è arte.” È vero, l’elitarismo dell’estetica di Schönberg non significa affatto la negazione del ruolo sociale della creatività musicale. L'articolo “Cuore e cervello nella musica” della stessa raccolta parla del desiderio di creatività, volto a “dire qualcosa di importante all'umanità”, della musica come “messaggio profetico” che mostra alle persone il percorso verso forme di vita più elevate.

In un modo o nell'altro, il predominio delle tendenze centrifughe nella forma musicale ha creato il pericolo del suo collasso. Per evitare scioltezza, Schönberg cercò la stessa unità tematica di struttura e sviluppo osservata nelle migliori opere di Brahms e Beethoven. Si trattava di un noto allontanamento dai principi dell '"estetica dell'evitamento", poiché l'unità del contenuto tematico è uno dei fattori dell'inerzia della struttura musicale. Ma con tali mezzi era ancora impossibile compensare completamente le perdite subite dalla forma musicale.

In generale, anche la Prima Sinfonia da camera e il Secondo Quartetto d'archi, ultime opere del periodo tonale, rimangono ancora in linea con lo stile tardo romantico. Tuttavia, il loro linguaggio musicale, pur mantenendo una connessione con il linguaggio di "Notte illuminata", si distingue per una profondità psicologica, acutezza e tensione ancora maggiori, e l'individualità del compositore appare in esso molto più chiaramente.

Tra le opere del periodo tonale, la cantata “ Canti di Gurre"(senza opera) al testo del poeta danese Jens Peter Jacobsen nella traduzione tedesca di R. F. Arnold. Fu scritta principalmente nel 1900, ma Schönberg completò l'orchestrazione solo nel 1911, dopo aver realizzato le prime opere basate su principi estetici e tecnici completamente diversi. La prima delle "Canzoni di Gurre", tenutasi a Vienna il 23 febbraio 1913, diretta da Franz Schrecker, amico di Schönberg, si rivelò trionfante. Ma l'autore della cantata non prestò quasi alcuna attenzione a quello che in seguito si rivelò essere il più grande successo della sua vita di compositore e non volle nemmeno rivolgersi al pubblico che applaudiva ad alta voce. Con grande difficoltà lo hanno costretto a salire sul palco, dove lui, ancora senza accorgersi del pubblico, si è limitato a ringraziare gli artisti. La ragione di ciò, ha ammesso, era la fiducia che le persone che gli hanno fatto un'ovazione non lo avrebbero seguito sulla strada dell'audace innovazione già iniziata. Ciò che è stato approvato dagli ascoltatori entusiasti era già una pagina voltata per lo stesso Schönberg.

La poesia di Jacobsen, che funge da base per le Canzoni di Gurre, racconta la storia del tragico amore del re danese Valdemar per la bella ragazza Tova, che fu uccisa per ordine di sua moglie, la gelosa regina Edvige. Pertanto, l'opera di Schönberg sviluppa ancora una volta il tradizionale motivo romantico dell'amore e della morte.

La cantata si distingue per l'imponenza del disegno complessivo e allo stesso tempo per la rifinitura in filigrana di ogni più piccolo dettaglio. La monumentalità in esso è organicamente combinata con l'estrema raffinatezza, caratteristica di molti capolavori della musica tardo romantica. L'opera impressiona per la sua insolita generosità dell'immaginazione del compositore, la ricchezza della trama e la profondità psicologica dell'armonia. Utilizza tutte le forze esecutive immaginabili: un'enorme orchestra, tre cori maschili e uno misto, cinque cantanti solisti e un recitatore: il Narratore.

Solo le enormi difficoltà legate al complesso apparato esecutivo, che trasformano ogni esecuzione della cantata in un evento della vita musicale, non le permettono di eguagliare la popolarità della “Notte illuminata”. Il suo linguaggio musicale è privo di innovazioni, a cominciare da Pelléas et Mélisande. Come nell'op. 4, qui si può percepire uno spettro di influenze, sintetizzate in uno stile individuale, che, tuttavia, è lontano dallo stile che rappresenterà in seguito le conquiste creative più fondamentali del compositore. Tuttavia, se i Canti di Gurre fossero riusciti a chiudere l'evoluzione creativa di Schönberg, egli sarebbe comunque passato alla storia della musica. A questo scopo basterebbero le opere da lui già realizzate, accessibili ad un pubblico abbastanza vasto e al massimo livello di bravura e ispirazione. È anche possibile che in questo caso la sua reputazione di compositore sarebbe oggi molto più alta, almeno agli occhi di molti amanti della musica che non capiscono il linguaggio delle sue opere successive. Eppure Schoenberg non ha avuto paura di abbandonare la strada che porta al successo, meritato e duraturo. Questo da solo dovrebbe rafforzare la fiducia nelle sue ulteriori ricerche.

Nel 1900 il compositore aveva guadagnato una reputazione piuttosto elevata nei circoli musicali di Vienna e Berlino. Le prime delle sue opere, sebbene solitamente accompagnate da scandali, hanno avuto un successo clamoroso tra una certa parte del pubblico. Schönberg apprezzava molto la partecipazione amichevole di Mahler, sebbene non approvasse tutto nelle sue opere.

In questo momento iniziò la carriera di insegnante di Schönberg: radunò un folto gruppo di giovani compositori curiosi alla ricerca di nuove strade nella musica. Tra loro ci sono Alban Berg e Anton Webern, che furono fortemente influenzati dal loro insegnante. Successivamente, entrambi erano destinati a entrare nella storia della musica accanto a lui - come membri della triade di compositori novo-viennesi (resta inteso che la prima triade era Haydn, Mozart e Beethoven). Nell'insegnamento, Schoenberg non si limitava allo studio della nuova musica (anzi, addirittura lo evitava, credendo di “non poter insegnare la libertà”), ma esigeva dai giovani una conoscenza approfondita dei classici, la capacità di comprendere con competenza gli stili e tecniche compositive della grande musica del passato. Molti studenti nelle loro memorie hanno notato una forte impressione dalle sue magnifiche analisi delle opere di Bach, Mozart, Beethoven, Schubert, Brahms, basate sulla più profonda comprensione dell'intenzione dell'autore e dei mezzi della sua attuazione. A proposito, la "Dottrina dell'armonia" di Schönberg (1911) è principalmente dedicata agli accordi e ai metodi per accoppiarli nel quadro del sistema classico di armonia, con il quale la sua pratica creativa era già poco connessa. Vediamo così in Schönberg un esempio non così comune di compositore ossessionato dalla creatività, capace allo stesso tempo di interessarsi profondamente alla musica “aliena”, e non solo a quella appartenente a uno o più idoli, ma alla musica in un volume enciclopedico. . Successivamente, la sua eccellente conoscenza dei classici si riflette anche nelle sue opere, che rompono nettamente con la lettera della tradizione.

Arnold Schoenberg, il cui lavoro può essere brevemente descritto come innovativo, ha vissuto una vita interessante ed è entrato nella storia della musica mondiale come un rivoluzionario che ha fatto una rivoluzione nella composizione, ha creato la propria scuola di musica, ha lasciato un'eredità interessante e una galassia di studenti . Arnold Schönberg è uno dei compositori più importanti del XX secolo.

Infanzia e famiglia

Il 13 settembre 1874 nacque a Vienna Arnold Schoenberg, la cui biografia sarà difficile, ma sempre legata alla musica. La famiglia Schönberg viveva in un ghetto ebraico. Il padre, Samuel Schönberg, era di Presburg e aveva il suo piccolo negozio di scarpe. La madre - Paulina Nachod - originaria di Praga, era un'insegnante di pianoforte. Arnold ha avuto un'infanzia normale, nulla prefigurava il suo grande futuro.

Trovare una chiamata

Fin dalla tenera età, la madre di Arnold iniziò a insegnargli la musica; Ma la famiglia non aveva i mezzi per continuare gli studi. Comprendeva in modo indipendente la scienza della composizione. Ha ricevuto diverse lezioni di contrappunto da suo cognato, il famoso compositore e direttore d'orchestra austriaco che sposò la sorella di Schönberg, Matilda, Alexander von Zemlinsky. I musicisti sono diventati molto amichevoli, sono rimasti persone che la pensano allo stesso modo per tutta la vita e spesso si sono aiutati a vicenda con consigli e hanno discusso di arte. Fu Tsemlinsky a raccomandare vivamente al suo collega di diventare un compositore musicale professionista. Il futuro compositore Arnold Schoenberg, già adolescente, sentì profondamente la sua vocazione e, sebbene le circostanze non fossero a suo favore, dedicò tutto il suo tempo libero alla musica.

L'inizio di un percorso professionale

La famiglia non viveva bene e quando suo padre morì, Arnold all'epoca aveva 15 anni, le cose divennero molto difficili. Il giovane ha dovuto accettare qualsiasi lavoro. Arnold Schönberg lavorò come impiegato di banca, fattorino, diresse cori di lavoratori e scrisse orchestrazioni per operette. Ma non abbandonò gli studi musicali; nel tempo libero scrisse le sue opere. Già nel 1898 le opere di Schönberg furono rappresentate per la prima volta sul palco di Vienna. Nel 1901 partì per Berlino, dove guadagnò denaro dando lezioni di musica e tenendo anche un corso di composizione al Conservatorio Stern.

In questo periodo conobbe Gustav Mahler, che ebbe un'influenza significativa sulla visione del mondo di Schönberg. Nel 1903 tornò a Vienna e iniziò a lavorare in una scuola di musica. Allo stesso tempo, riuscì a scrivere musica, durante questo periodo fu mantenuta nelle tradizioni della scuola di composizione tedesca della fine del XIX secolo. Le opere più significative di questa fase furono: il sestetto d'archi “Notte illuminata”, il poema “Pelléas et Mélisande” (1902-1903), la cantata “Songs of Gurre” (1900-1911). Arnold Schoenberg si distinse per la sua grande capacità lavorativa; già all'inizio della sua carriera insegnava, scriveva musica e teneva concerti.

Biografia e musica

Nell'opera del compositore Schönberg si distinguono tre periodi: tonale (dal 1898 al 1908), atonale (1909-1922) e dodecafonico (dal 1923). L'evoluzione di un musicista è legata alla sua ricerca di un nuovo percorso e di una nuova espressività. Il suo destino fu inizialmente legato all'espressionismo, sulla base del quale in seguito fece le sue scoperte rivoluzionarie. Fino al 1907 Schönberg si mosse nella direzione tradizionale della musica classica. Ma quest'anno c'è un cambiamento radicale nella sua visione del mondo artistico; pensa molto alla musica e scrive lavori teorici; Il suo linguaggio musicale diventa più complesso, il desiderio di dissonanza aumenta, ma per ora viene preservata l'armonia tradizionale.

E nel 1909 iniziò un nuovo ciclo della sua vita. Nel 1911, Arnold Schönberg, la cui biografia stava guadagnando slancio nel mondo musicale, si recò nuovamente a Berlino, dove fece tournée come direttore d'orchestra per 4 anni. A questo punto era già un musicista abbastanza noto in Europa. Nel 1915, il compositore fu arruolato nell'esercito per due anni. Questo periodo atonale è caratterizzato da un rifiuto del centro tonale dell'opera. Schönberg cerca di applicare equamente i 12 toni della scala cromatica; Nel 1923 ricevette il titolo di professore di musica e un invito a lavorare alla Scuola di Musica di Berlino. Con l'arrivo al potere dei nazisti nel 1933, Schönberg fu licenziato dal conservatorio e, temendo ulteriori persecuzioni in quanto rappresentante della nazione ebraica, emigrò. Prima va in Francia e poi negli Stati Uniti.

Il terzo periodo del lavoro del compositore è segnato dalle sue principali scoperte. Comincia a gravitare verso un'organizzazione razionale delle serie musicali; le composizioni sono costruite da dodici toni che non si ripetono nella stessa serie. Ecco come appare la musica dodecafonica. Il lavoro di Schoengberg riflette pienamente un'epoca piena di cambiamenti, così come le sue esperienze soggettive ed emotive.

Teoria della musica

Il compositore ha sempre cercato di controllare le forme e i mezzi espressivi della sua musica, cosa che molto spesso avveniva inconsciamente. Pertanto, tutte le sue esperienze e riflessioni fondamentali sono state delineate in seri lavori scientifici. Nel 1911, Arnold Schönberg scrisse la sua prima importante opera teorica, “La dottrina dell’armonia”. Già in esso delineava le sue idee sull'armonia tonale, che furono centrali per lui per tutta la vita. Questo libro divenne l'unica opera completamente completata del compositore. Successivamente iniziò a scrivere diverse opere contemporaneamente, correggendole e aggiungendole costantemente, non furono pubblicate durante la sua vita;

Solo nel 1994 furono pubblicate le opere, riunite in un unico volume: “Interrelazione, contrappunto, strumentazione, dottrina della forma”. Queste riflessioni sulla logica e sul pensiero musicale, sull'orchestrazione, sugli esercizi preparatori di contrappunto e sulla composizione non furono completate dall'autore, ma mostrano la direzione in cui si svolse la sua ricerca. “Fondamenti di composizione musicale” fu pubblicato già alla fine del XX secolo dagli studenti del maestro. Arnold Schönberg ha dato un contributo significativo alla teoria musicale; ha saputo vedere l'evoluzione del pensiero musicale e anticiparne lo sviluppo per gli anni a venire. Nei suoi scritti Schönberg riflette sull'integrità dell'opera, sullo sviluppo del pensiero musicale e arriva all'idea della monotonia.

Attività pedagogica

Il compositore ha insegnato per tutta la vita, prima a scuola, poi al conservatorio di Berlino. In esilio, ha lavorato nelle università di Boston, nel sud della California e di Los Angeles, insegnando teoria musicale e composizione. Arnold Schönberg creò un'intera scuola di composizione, chiamata la “Nuova Scuola Viennese”. Ha allevato gli studenti nello spirito di servire la musica; non ha categoricamente consigliato loro di seguire il suo esempio, ma di cercare solo la propria strada nell'arte. A. Berg e A. Webern sono considerati i suoi migliori studenti, che rimasero fedeli alle sue idee fino alla fine dei loro giorni e diventarono compositori indipendenti, degni del loro maestro. Schoenberg insegnò tutte le materie musicali, prestando particolare attenzione alla polifonia, che considerava la base della maestria. Il compositore continuò a comunicare strettamente con i suoi studenti anche dopo la laurea, e per loro era un'autorità indiscutibile. Questo è ciò che gli ha permesso di formare un'intera galassia di persone che la pensano allo stesso modo.

Dodecafonia di Arnold Schönberg

Arnold Schönberg, la cui breve biografia può essere descritta con la parola "dodecafonia", divenne un ideologo e promotore di una nuova direzione nella musica. Nella sua ricerca della scrittura musicale più economica, il compositore ha avuto l'idea di un sistema di composizione a 12 toni. Questa scoperta costringe il compositore a imparare di nuovo a comporre musica; sperimenta molto con la forma, cercando nuove possibilità per il suo metodo di frequenza sonora.

Mette alla prova le basi della nuova tecnica su brani per pianoforte, di cui scrive molto. Successivamente passò alla creazione di opere di grandi dimensioni (suite, quartetti, orchestre) in un nuovo stile. Le sue scoperte influenzarono radicalmente lo sviluppo della musica nel XX secolo. Le sue idee, che non sviluppò completamente, furono riprese dai suoi seguaci, sviluppate, portate alla perfezione e talvolta fino all'esaurimento. Il suo contributo alla musica si è manifestato nel suo desiderio di semplificare la forma musicale.

Grandi opere

Arnold Schönberg ha lasciato un'enorme eredità musicale. Ma la sua opera più importante è l'opera incompiuta "Mosè e Aronne", la cui idea apparve negli anni '20 del XX secolo e incarnava l'intera evoluzione e ricerca del compositore. Nell'opera, Schönberg incarnava tutta la sua visione filosofica del mondo, tutta la sua anima. Tra le opere significative del compositore ricordiamo: “Sinfonia da camera”, op. 9, opera “La mano felice”, 5 pezzi per pianoforte, op. 23, "Inno a Napoleone".

Vita privata

Arnold Schoenberg, la cui foto può essere vista oggi in tutti i libri di testo sulla storia della musica, ha vissuto una vita ricca. Oltre alla musica dipinge molto, le sue opere sono state esposte nelle principali gallerie d'Europa. Era amico di Kokoschka, Kandinsky ed era membro dell'Accademia delle arti prussiana. Durante la sua vita scrisse circa 300 opere.

Arnold Schönberg si sposò per la prima volta abbastanza presto, per questo si convertì al protestantesimo nel 1898. Sua moglie lo ha tradito, è andata a trovare il suo amante, ma poi è tornata in famiglia e il suo amante si è suicidato. Sua moglie Matilda morì nel 1923, ponendo fine a un periodo turbolento nella vita personale del compositore. Un anno dopo sposò la sorella del violinista e visse felicemente con lei per il resto della sua vita. Nel 1933 decide di ritornare all'ebraismo e si sottopone alla cerimonia corrispondente in una sinagoga di Parigi.

Le paure di Arnold Schönberg

Il compositore si distingueva per l'elevata intelligenza e le capacità matematiche, ma anche il principio irrazionale non gli era estraneo. Per tutta la vita fu perseguitato da strane paure e premonizioni. Di cosa aveva paura il compositore Arnold Schönberg? Aveva una rara fobia: era terrorizzato dal numero 13. È nato con questo numero e per tutta la vita ha evitato case e camere d'albergo con questo numero. Allora di cosa aveva paura Arnold Schönberg in definitiva? Numeri? No, certo, aveva paura della morte. Era sicuro che sarebbe morto il 13, che il numero 76 - in totale 13 - gli avrebbe portato la morte. Per tutto l'anno del suo imminente 76esimo compleanno, visse nella tensione, finché un giorno andò a letto con la certezza che oggi sarebbe venuta per lui la morte. Rimase a letto tutto il giorno, aspettando l'ultima ora. Al calar della notte, sua moglie non poteva sopportarlo e lo costrinse a smettere di fare sciocchezze e ad alzarsi dal letto. Ma 13 minuti prima di mezzanotte pronunciò la parola “armonia” e lasciò questo mondo. Così, il 13 luglio 1951, il mondo perse

SCHONBERG Arnold (Schönberg, Arnold; 1874, Vienna, - 1951, Los Angeles), compositore, teorico musicale, insegnante e pittore, uno dei fondatori dell'espressionismo e autore del sistema dodecafono in musica, capo del cosiddetto Nuovo Scuola Viennese. Nato nella famiglia di un povero uomo d'affari. Da bambino imparò a suonare il violino e il violoncello, suonò in orchestre amatoriali e compose opere musicali, senza inizialmente conoscere le basi della composizione; Solo all'età di 16 anni Schönberg iniziò a studiare sistematicamente la musica. Nel 1891 si diplomò in un vero ginnasio e andò a lavorare presso una banca privata, ma dopo pochi anni lasciò la banca e si dedicò interamente alla musica. Il suo insegnante fu il compositore e direttore d'orchestra A. von Zemlinsky, che diede lezioni di polifonia a Schönberg. Nel 1895–99 diresse un coro operaio nella periferia di Vienna.

Nel 1898 Schönberg si convertì al cristianesimo (a una delle denominazioni protestanti) e nel 1901 sposò la sorella del suo insegnante, Mathilde von Zemlinskaya. Nel 1901-1903 visse a Berlino, diresse un'orchestra in un cabaret di scrittori e diede lezioni private. Dal 1903 insegnò in una delle scuole di musica viennesi. Nel 1911 Schoenberg incontrò V. Kandinsky, che ebbe una grande influenza sulla visione artistica del mondo di entrambi. Schönberg era conosciuto anche come artista: nel 1911 espose per la prima volta le sue opere alla mostra del gruppo di artisti “Il Cavaliere Azzurro” a Berlino, ed espose a Vienna e in altre città, a volte insieme a Kandinsky. Come direttore d'orchestra Schönberg tenne concerti a Berlino, Vienna, Amsterdam, Londra, San Pietroburgo) e in molte altre città, ma non ebbe mai un reddito fisso (nemmeno una lettera di Schönberg a G. Mahler, risalente al 1910, con un richiesta di assistenza finanziaria). Durante la prima guerra mondiale prestò servizio nell'esercito austriaco. Nel 1925, su iniziativa di L. Kestenberg, fu invitato alla carica di professore presso l'Accademia prussiana delle arti di Berlino, da dove fu licenziato nel 1933 con l'ascesa al potere dei nazisti. Emigrò in Francia.

Nel 1933 Schönberg subì un rito di ritorno all'ebraismo in una sinagoga di Parigi. Ben presto Schoenberg si trasferì negli Stati Uniti, dove visse inizialmente a Boston (insegnò in un conservatorio privato) e a New York. Ha tenuto conferenze a Chicago e in altre città. Dal 1934 fu professore all'Università della California. Nel 1940 Schönberg prese la cittadinanza americana.

I primi lavori di Schönberg furono scritti sotto l'influenza di V. R. Wagner, in parte di J. Brahms: il sestetto “La notte illuminata” di R. Demel (1899), il poema sinfonico “Pelleas e Mélisande” di M. Maeterlinck (1902–1903), la cantata “Songs” Gurre" su parole di J. Jacobsen (1900–11), Primo quartetto d'archi (1905). Tratti dell'espressionismo appaiono nella Chamber Symphony (1906), nel Secondo Quartetto d'archi (1907–1908), in 15 canzoni basate su poesie di S. George (1908–1909), nel monodramma “Waiting” dopo M. Pappenheim (1909) , e l'opera “Happy” hand" su suo libretto (1913).

Un punto di svolta nell'opera di Schoenberg fu il ciclo di recitazioni melodiche “Pierrot Lunaire” basato su poesie del poeta belga A. Giraud (1912) per voce femminile e ensemble strumentale, in cui la cosiddetta melodia vocale (canto vocale) era utilizzato per la prima volta e che fu un completo esempio di arte musicale espressionista. In questo lavoro, il compositore stava cercando nuovi principi di costruzione musicale.

Schönberg fu il creatore di un nuovo sistema di composizione in 12 fasi, chiamato da Schönberg "dodecafonico", la cui essenza è che i 12 suoni della serie cromatica usata dal compositore - "serie" (o parti di una "serie") - sono unità uguali, in contrasto con il sistema classico con i suoi gradi principali (stabili) e subordinati della scala. Di conseguenza, le tonalità modali (in particolare, maggiore e minore) e le connessioni modali tra i suoni scompaiono, i concetti di accordi consonanti e dissonanti e altre combinazioni di suoni vengono cancellati. La musica composta utilizzando la tecnica del dodecafono è atonale. La prima opera di Schönberg costruita interamente sui principi della dodecafonia fu la suite per pianoforte (1921–23).

Schönberg è stato uno dei prototipi del compositore Adrian Leverkühn nel romanzo di T. Mann "Doctor Faustus", per conto del quale l'autore ha delineato in dettaglio la teoria della dodecafonia. Tra Mann e Schoenberg sorse una controversia sull'uso della sua teoria (Schoenberg possiede le parole: "Il futuro mostrerà chi era contemporaneo di chi!"). Su richiesta di Schönberg, tutte le edizioni del romanzo furono accompagnate da una spiegazione di T. Mann: "... in generale, le sezioni teoriche musicali di questo libro devono molti dei loro dettagli all'insegnamento di Schönberg sull'armonia."

Schoenberg era convinto che la creazione del sistema di composizione dodecafonico non fosse il risultato di un atto arbitrario, ma una tappa storicamente condizionata e necessaria nello sviluppo dell'arte musicale, ma non considerava il suo sistema universale.

Schoenberg e il suo insegnamento furono sottoposti a feroci attacchi, anche da parte di posizioni politiche. I nazisti dichiararono "degenerata" l'arte di Schönberg e dei suoi seguaci e la bandirono. (Un critico nazista ha scritto: "Schoenberg usa le vecchie e ben note tattiche ebraiche, volte a distruggere le basi culturali della nazione in cui essi [gli ebrei] si sono infiltrati, e a stabilire i propri valori culturali - ebraici.")

I testi, le storie, le immagini della Bibbia e altri temi ebraici tradizionali e contemporanei erano una componente essenziale del lavoro di Schoenberg. Il tema dei rapporti con Dio e con il proprio popolo era già stato ascoltato in una delle sue prime opere: "Sinfonia dei Salmi" (1912-1914, incompiuta). Riguardo all’oratorio “La scala di Giacobbe” (1917-22, incompiuto), Schönberg scrisse: “L’uomo moderno, dopo aver attraversato il materialismo, il socialismo e l’anarchia, … nonostante il suo ateismo, conserva ancora in sé alcune briciole dell’antica fede. Combatte con Dio... e alla fine trova Dio e diventa religioso. Impara a pregare!...”. Schönberg non ha composto solo la musica, ma anche il testo dell'oratorio. Nel maggio 1930 Schönberg iniziò a lavorare all'opera Mosè e Aronne, che non fu mai completata. Il libretto dell'opera è stato scritto dallo stesso compositore; è stato lui stesso a ideare la coreografia della scena “La danza intorno al vitello d'oro”. Il ruolo di Mosè è interpretato dal lettore nel modo di parlare cantando, la parte di Aronne è assegnata al cantante (tenore). Mosè, quindi, viene contrapposto al fratello come principio (pensiero) razionale a principio irrazionale. Il coro e l'orchestra svolgono un ruolo importante nella creazione di un dramma intenso (la sua tripla composizione è completata da un ensemble sul palco). L'opera "Mosè e Aronne" è uno dei risultati creativi più significativi di Schönberg.

Il tuo appello a “Impara a pregare!” Schönberg lo incarnò in “Kol Nidre” per lettore, coro e orchestra (1938; l'opera è basata sulla melodia di Kol Nidre, accettata in Ashkenazi / vedi Ashkenazi / comunità); il lavoro è stato eseguito per la prima volta a Los Angeles.

Nel 1941, Schönberg ricevette la notizia della morte di suo fratello, rimasto in Austria, e nel 1942, sulle parole di J. G. Byron, fu scritta l'"Inno a Napoleone", in cui la denuncia del male, della violenza e dell'assassinio di innocenti la gente evoca evidenti associazioni con l'Olocausto e gli eventi della Seconda Guerra Mondiale; L'opuscolo di Byron, scritto nel 1814, suona in questa interpretazione come un'opera antinazista rilevante.

Il testo della cantata “Un sopravvissuto da Varsavia” (1947; per lettore, coro e orchestra), scritto dallo stesso compositore, riproduce la storia di uno dei pochi partecipanti sopravvissuti al ghetto di Varsavia (vedi Varsavia). Le parole dello Shema sono intrecciate nel tessuto dell'opera. L'opera è estremamente concisa: solo sei minuti e mezzo; le tecniche espressionistiche del discorso musicale sono affinate in lui al limite. Altre opere di Schoenberg su temi ebraici sono "Modern Psalm" (incompiuto), "From the Depths" (1950; sul Salmo 130 per coro), coro "Three Thousand Years" (1950; testi di D. Runes), ecc.

Nel corso di molti anni (1926–51), Schönberg scrisse il dramma "La via biblica" sul ritorno degli ebrei nella loro patria storica e sul futuro del rinato Stato ebraico. Schoenberg non era estraneo agli obiettivi sionisti (vedi Sionismo). Nel 1923 scrisse: "Sono stato costretto a capire e ricordare per sempre che non sono tedesco, non sono europeo, ma sono ebreo". Ha mostrato interesse, in particolare, per il concetto di V. Zhabotinsky e le sue opere. Articoli pubblicati di orientamento sionista: “Israeliti ed ebrei” (1923), “Sul sionismo” (1924), “La questione ebraica” (1933), “Note sulla politica nei confronti degli ebrei” (1933), “Programma per gli ebrei da quattro paragrafi" (primi anni '40) e altri. Schönberg accolse con favore la nascita dello Stato d'Israele e promosse la creazione di un centro di formazione a Gerusalemme, con il quale, secondo il suo progetto, avrebbero dovuto collaborare le maggiori personalità musicali ebraiche.

Schönberg è il fondatore e capo della cosiddetta Nuova Scuola Viennese, nata dalla collaborazione creativa del compositore e dei suoi studenti - A. Berg e A. Webern; La scuola ha determinato il percorso di sviluppo dell'arte musicale moderna. Schoenberg è stato uno dei più grandi insegnanti di musica del 20° secolo, tra i suoi studenti, oltre a Berg e Webern, c'erano E. Welles (1885–1974), H. Eisler (1898–1962), R. Comyn (1896–1978 ), R. Serkin e altri. Molti dei più grandi compositori del 20° secolo. - B. Bartok, I. Stravinsky, S. Prokofiev, D. Shostakovich, P. Hindemith - furono influenzati dalla musica e dagli insegnamenti di Schönberg e usarono la tecnica della composizione dodecafonica.

Tra le opere teoriche di Schönberg figurano "La dottrina dell'armonia" (1911), "Un manuale per compositori principianti" (1943), "Stile e idea" (1950), "Funzioni strutturali dell'armonia" (1954), "Fondamenti di composizione" (1967) e altri. Schönberg lasciò in eredità la sua biblioteca e i suoi manoscritti alla Biblioteca nazionale e universitaria ebraica di Gerusalemme. Poco prima della morte di Schönberg, l'Accademia israeliana di musica lo ha eletto presidente onorario.